Mujer leyendo una carta, de Veermer de Delft

Nuestras disculpas de antemano por cultivar, siquiera una tarde, esta faceta cursi, tierna y cercana lo lacrimógeno, de la que también nosotros, macarras, apocalípticos y amantes de lo grotesco, también hacemos gala de brevas a higos.  Para una velada dulce o nostálgica les recomendamos esta tierna y popular canción de amor que a ratos nos causa piloerección, agitación y temblores: “Sealed with a kiss” (sellado con un beso) , en varias versiones.  El tema fue escrito por Peter Udell y Gary Geld y fue grabado por primera vez por The Four Voices --versión que incluímos--, en el año 60. Posteriormente, en el 62, Brian Hyland la haría suya definitivamente, creando la interpretación más conocida de la pieza --y la que preferimos--; desde entonces ha conocido diferentes versiones (entre ellas una auténtica barrabasada a cargo de The Toys),  ninguna --a nuestro parecer-- tan fantástica como la de Hyland. Hagánse con algunos pañuelos para enjugar sus lágrimas y disfruten de una magnífica banda sonora para una velada cursi.

Sealed with a kiss cantada por Brian HYLAND (nuestra favorita)

Sealed with a kiss, interpretado por primera vez por The four voices, en 1960

Bobby Vinton, Sealed wiht a kiss

Rainbow poster para Líneas aéreas EL AL Israel Diseño de Dan Reisinger

Modesta pero interesante colección de pósters de viaje antiguos, de estética sesentera, por cortesía de Grain Edit y Container List ; un puñado de imágenes con la impronta señera de las vacaciones añejas, que nos permiten disfrutar a partes iguales del festín visual buen diseño gráfico -pelín retro- y la pasión por el viaje, sin movernos de nuestro sedante y confortable sillón.

Cartel para promoción de la caza en Polonia, 1965 -- Diseño de Martin Lauterburg

Póster para los Ferrocarriles Belgas , 1966 - Diseño de Wictor Langer

Ecos de MC. Escher en este cartel para Finnair c1958 -- Diseño de Erik Bruun

Carteles turísticos para Israel, “la tierra de la Biblia”; producidos por el Israel Tourist Centre . Diseños de Jean David 

A España, por la Puerta Grande. Fantástico póster promocional antiguo, con reminiscencias del primer Dalí. Muchos más, aquí.

Los Relámpagos, Vacaciones en España (1966)

Los Relámpagos: Vacaciones en España. , 1966. Soberbia pieza de música ratonera que capta el inconfudible sabor rancio de la cartelería mostrada más arriba.  El disco, un cuatro pistas que incluía esta pieza, ” subió muy alto en las listas de ventas y sigue manteniendo a Los Relámpagos entre los más grandes del momento, a pesar de no ceder a concesiones y seguir investigando en las amplias posibilidades de una música instrumental moderna de raíces inconfundiblemente españolas. Junto a Vacaciones en  España, “Alborada gallega” o la enigmática “Nocturno” están entre los más conocidos temas del grupo” (n)

-Fuentes y vínculos_

Grain Edit: vintage travel posters

Descubierto en una de esas noches de la 2 os presento a Pink Turtle. Se trata de un grupo francés de los años 60 que como reza en su biografía “1969: Los Pink Turle se retiran de la música, víctimas de su propio éxito, tras una multitudinaria gira que les llevó a actuar sobre algunos de los mejores escenarios del mundo…”. En 2008 se volvieron a reunir para ofrecernos una oferta musical que mezcla un estilo elegante con lo divertido y absurdo. Este año han participado en el festival de Jazz de San Javier

Escuchando sus versiones no se echa de menos a los originales, pasan todo por el tamiz del swing, desde el Money de Pink Floyd hasta el Highway to hell de AC/DC, con reminiscencias de jazz y pop que convierten cada tema en un amasijo de sensaciones.

Aquí os dejo algunos tutubos, espero que los disfrutéis

Hotel California

Another brick in the wall

Billie Jean

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“Status Quo surgió de la base de un grupo beat llamado The Spectres, fundado en 1962. El grupo de dedicaba a dar conciertos por locales de Londres y llegaron a publicar algunos sencillos. En 1967 los Spectres se rebautizaron como los Status Quo y se pasan a la psicodelia. Tras publicar algunos trabajos con resultados dispares, en 1970 los Status Quo se redefinen. Mudan las ropas psicodélicas por los más habituales tejanos y se convierten en una banda de rock y boogie, con un espectacular sonido de guitarra.”(1)

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“A lo largo de los siguientes años, los Status Quo enlazarían éxito tras éxito. Albumes como “Piledriver”, “Hello”, “Quo”, “On the Level” o “Blue for You” llegaron a los primeros puestos de las listas. En su país, los Status Quo se convertirían en auténticos ídolos.”(1)

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“En la década de los ochenta, Status Quo siguió situado en lo más alto, en lo que se refiere al aprecio del público. Y ello a pesar de los cambios habidos en la formación, que no impidieron que el grupo siguiera en la misma línea musical que llevaba hasta ahora. Una de las bazas más importantes del grupo ha sido el ímpetu y la energía demostrada por Status Quo sobre los escenarios en sus conciertos en directo.”(1)

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Con todos ustedes una selección de canciones, gracias al tiburón musical, para que no paren de mover el astrágalo y el foramen magno. Nos ha sido imposible elegir menos, y muchas se han quedado en el tintero. Acudan a los enlaces para encontrar horas y horas de genuino sonido de poderosas guitarras que desafían el paso de las décadas. En verdad estos “jóvenes” son prácticamente incombustibles.

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Y ahora toda la fuerza del directo; mamá yo quiero estar en uno de estos conciertos.

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- Notas, fuentes y vínculos -.

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Antonio Páez.

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Antonio Páez, Sevilla, 1970. Cursa estudios de Bellas Artes en la Facultad de Santa Isabel de Hungría, especialidad en Grabado y Diseño, de la Universidad de Sevilla, 1995. Durante sus años de estudio participa en varias exposiciones colectivas. Colabora, puntual y desinteresadamente, como ilustrador con diversas publicaciones locales de poesía, así como haciendo labores de maquetación y diseño para algunos números de la revista “El Soberao“, del Ateneo de su localidad natal.

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Abandona casi completamente durante años la práctica del dibujo para concentrarse en la vida laboral. Hacia el año 2001, de modo autodidacta, comienza a desarrollar la técnica del pastel, realizando entonces, de manera intermitente, más de doscientas obras de diversa temática.

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Dotado de una paleta que podríamos definir como “terrosa” -en la que el ocre, el siena, el beige, brillan por su presencia- los verdes, azules y carmines hacen fugaces y sorpresivas apariciones -máxime teniendo en cuenta una sutil afección visual del autor, que le dificulta su distinción- y con una especial predilección por la estructura compositiva que él mismo suele definir como “horror vacui”, resultado final de un largo proceso evolutivo-selectivo, es justo destacar su honradez profesional y personal, fuera de toda trampa y cartón.

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Deudor, entre otros, de Durero, los Prerrafaelitas, Friedrich, Antonio López, Pérez Villalta… su cultura pictórica es vasta y diversa, su técnica depurada, pero lo más destacable de su obra es, sin duda, la temática, la perenne intención de transmitir con ella una idea de hombre, de cultura y visión de la vida. No pueden faltar las colecciones de exvotos, las calaveras, las postrimeías, el inexorable fluir del tiempo… memento mori. De calificarlo, nos atreveríamos, dentro de lo inclasificable, como simbolista.

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Alcanzado este número de obras estima oportuno el momento para realizar su primera exposición de dibujos, que inaugura el 10 de junio de 2011, a las 21:00 horas en la Casa de la Cultura de Los Palacios y Villafranca, Sevilla. La muestra permanecerá abierta al público hasta el día 9 de julio de 2011.

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En palabras del propio autor: “(…) evento que después de hacerse esperar más de veintidós años (…). Tras meditar largamente sobre decrépitas calaveras, postrimerías e inexorable fluir del tiempo, asuntos que se cuentan entre los motivos principales de mi obra, festejaremos con una copa de buen vino (…) en un momento tan especial y señalado, raro como el paso del cometa Halley, puede que no tan brillante, pero quizá tan milagroso, por lo irrepetible”. (1)

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Según nuestras fuentes, el escaso tiempo que le permite su labor docente, el “sagrado tiempo libre” como le gusta definir, lo dedica a sus pasiones: la pintura, la lectura, la música, el cine, el buen yantar, los amigos, el viaje, el buceo -a profundidades abisales- por la red y a su amada y musa.

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- Notas -.

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Os traigo este disco de Stevie Wonder, Estebita Maravilloso para los amigos, con el que pase muchos ratos en mi tierna juventud. Recuerdo como lo escuchaba sin entender muy bien aquella música pero que se quedo grabada en mi memoria. Ahora he rescatado este disco después de tantos años y la verdad que con el tiempo ha ganado.

Es un disco extraño para su época (salió en 1979) cuando la fama de Stevie Wonder era máxima en Estados Unidos. Era la banda sonora del documental ‘The secret life of the plants’ basado en un libro del mismo nombre y que no tuvo demasiada difusión. Sin embargo el trabajo de Stevie Wonder llego a ser nº4 en las listas americanas.

Stevie Wonder hizo un disco en gran parte instrumental con muchas mezclas de sintetizador convirtiéndose en unos de los primeros disco grabados digitalmente.

El resultado final, según mi parecer, es magistral. Conforme lo escuchas vas recorriendo el mundo envuelto en una capa de sensaciones acústicas, desde la creación del mundo y pasando por todos los lugares donde habitan las plantas . El propio Stevie Wonder tiene este trabajo como uno de sus favoritos.

Aqui os dejo unos tutubos, espero que lo disfruten, ahora yo recomiendo escucharlo entero y dejarse llevar por él.

“The secret life of the plants”

“Send one your love”

“Finale”

“La saeta“, Julio Romero de Torres, 1918.

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“La saeta es un canto religioso, sin acompañamiento, que se canta en honor de las imágenes de los pasos que desfilan por las calles durante la Semana Santa. El texto está compuesto por varios versos octosílabos y tiene siempre un significado religioso que alude a los hechos y personajes de la Pasión. El corpus de letras está por recoger. Cada año nacen saetas nuevas, variaciones del mismo o de los mismos temas”.

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Saeta popular.

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“El nacimiento de la saeta popular y la costumbre de cantarla el pueblo para expresar su sentimiento religioso data, aproximadamente, de mediados del siglo XIX. Esta primitiva saeta, actualmente casi desaparecida, conmovía por su entonación grave, pausada y monótona, sencilla de estilo y ejecución. Muchos investigadores coinciden en que la localidad sevillana de Marchena es el epicentro saetero. Se han cruzado en estas tierras de campiña factores sociales, históricos, religiosos y musicales idóneos para aventurar la conclusión de que fue la cuna de este cantoración.

Al igual que en otros cantes también encontramos en la saeta diversos estilos que se van a diferenciar según pertenezcan a la escuela jerezana, más siguriyera, o a la sevillana, tal vez con más ecos de toná. Otras localidades saeteras son Málaga, Cádiz y sus Puertos, o los pueblos de la Sierra de Córdoba“.

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Escuchen las interpretaciones de algunos de los grandes de este cante, vía YouTube y Grooveshark.

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Manuel Torre, “Por no saber qué hacerle“, 1909.

Manuel Vallejo, “Una bandera se veía“.

La Niña de los Peines, “Pilatos por no poder“.

Antonio Mairena, “Entre dos hombres“.

Manolo Caracol, “La Esperanza Macarena“.

Pepe Marchena, “Treinta monedas te damos“.

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Algo más actual. Saeta interpretada por Arcángel al Señor de Pasión para el Documental “Jesús de la Pasión, historia de una devoción“.

Para apreciar en toda su intensidad esta manifestación artística deberían, al menos una vez en la vida, escuchar una saeta cerca del cantaor, junto con el sonido del arrastrar de alpargatas de los costaleros, la voz del capataz, el silencio sonoro de la gente, el olor a incienso, la luz de la noche, el fresco de la primavera en la cara, el calor de la bulla. Sonido, silencio, luz, oscuridad, olor, frío, calor… Pasión. El tiempo se para, puro goce para todos los sentidos, no se lo pierdan.

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- Fuentes y vínculos -.

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¡Oh la saeta, el cantar
al Cristo de los gitanos,
siempre con sangre en las manos
siempre por desenclavar!
¡Cantar del pueblo andaluz
que todas las primaveras
anda pidiendo escaleras
para subir a la cruz!
¡Cantar de la tierra mía,
que echa flores
al Jesús de la agonía,
y es la fe de mis mayores!
¡Oh, no eres tú mi cantar!
¡No puedo cantar, ni quiero,
a ese Jesús del madero,
sino al que anduvo en el mar!

Antonio Machado.

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Hasta ahora en “Cómo cantar y no morir en el intento” les habíamos traído intérpretes, comparativas, arias… Es el momento de tratar una obra en su globalidad, particularmente es lo que más nos suele interesar. En esta ocasión Così fan tutte, de Mozart. Según nuestra erudita fuente:

“Così fan tutte ossia La scuola degli amanti (Así hacen todas o La escuela de los amantes) es una ópera bufa en dos actos, compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart (1790). El libreto fue escrito por Lorenzo da Ponte. Lleva por número KV 588. Fue creada debido a la sugerencia del Emperador José II de Habsburgo. La primera vez que se representó Così fan tutte fue en el Burgtheater de Viena, el 26 de enero de 1790.

El tema escogido es el intercambio de parejas, que data del siglo XIII, cuyos antecedentes más importantes se encuentran en el Decamerón de Boccaccio, o Cimbelino de Shakespeare. Algunos han visto en el título y el argumento de la ópera un dejo de misoginia por parte de Mozart y da Ponte.

Musicalmente hablando, los críticos destacan la simetría de Così: dos actos, tres hombres y tres mujeres, dos parejas, dos personajes al extremo (Don Alfonso y Despina), prácticamente el mismo número de arias para todos los solistas. Para otros críticos, la simetría era un valor propio de la ópera italiana del siglo XVIII y por tanto poco destacable. Todos coinciden en destacar la abundancia de partes dedicadas a los conjuntos: fuera de los finales, Mozart compuso seis dúos, cinco tríos, un cuarteto, dos quintetos y tres sextetos”.

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Una breve exposición del argumento, gracias a pasionpormozart (1) :

“Fernando y Guglielmo son dos oficiales jóvenes, convencidos de la fidelidad de sus novias, Dorabella y Fiordiligi. Un viejo amigo de los oficiales, don Fernando, les plantea un reto: apuestan cien cequines y podrán a prueba la fidelidad de las chicas. Simulan su marcha a la guerra para volver disfrazados y cortejar a la novia del otro. Esto hace que lo que fuera, al principio, un juego, se convierta en algo serio, produciéndose nuevas parejas. Probada la traición de las chicas (“così fan tutte”, así hacen todas), las parejas “correctas” se vuelven a juntar. Hacen las paces, pero queda la duda de que acaso habrían sido más felices las parejas “equivocadas”".

Los personajes principales son:

Fiordiligi (dama ferraresa, habitante de Nápoles), soprano.

Dorabella (dama ferraresa, hermana de la anterior), mezzo-soprano.

Ferrando (oficial, enamorado de Dorabella), tenor.

Guglielmo (oficial, enamorado de Fiordiligi), barítono.

Despina (criada), soprano.

Don Alfonso (viejo filósofo), bajo.

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Como se ha comentado anteriormente, aparte -ni que decir tiene- de la música, lo que nos encanta de esta obra es su simetría -¿no esperarían menos de Trantor?-. Tres mujeres, tres hombres. Dos parejas -que después se intercambian-, dos personajes “externos”. Arias, duetos, tercetos, cuartetos, quintetos. Juegos entre las tres voces masculinas, las dos femeninas. Variaciones entre la superposición soprano-barítono, soprano-tenor, mezzo-tenor, mezzo-barítono, bajo-soprano… En una serie de interacciones entre lo musical, lo argumental, lo estructural, creando una especie de “metanivel” de simetría. Una gozada rayana en lo sinestésico que ciertamente nos cautivó desde la primera audición.

Puestos a jugar con la simetría les traemos una obertura, dos arias, dos tercetos y dos quintetos, números pares de impares… Se nos “va la pinza“.

Empezamos con la obertura, cortesía de otro nuevo fichaje para esta temporada de la tita, SoundCloud. Disfruten de esta maravillosa conjunción entre la cuerda y el viento.

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Ahora un par de arias.

“In uomini, in soldati, sperare feldeltà?”. Despina. La lista (¿y experimentada?) criada intenta abrir los ojos a las “ingenuas” damas sobre la naturaleza masculina.

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“Non siate ritrosi”. Guglielmo. No seaís esquiva… (qué pillín).

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Los tercetos. Nos hemos decantado por un par de ejemplos con las tres voces masculinas, realmente deliciosos.

“La mía Dorabella capace non è“. No ni ná.

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“Una bella serenata”. Se las prometían muy felices, los pobres incautos.

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Y por fin los quintetos, en los que apreciar los mil y un matices de la conjunción de todas las voces.

“Sento, o Dio, che questo piede”. Cuánto iban a cambiar las cosas.

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“Di scrivermi ogni giorno”. No sabían ellas que en verdad iban a la esquina y pa’trás.

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Terminaremos con una selección, vía Grooveshark, de una de las versiones recomendadas por operamanía (4) con: Kiri Te Kanawa, Ann Murray, Marie McLaughlin, Hans Peter Blochwitz, Thomas Hampson, Ferrucio Furlaneto y la Orquesta Filarmónica de Viena con la dirección de James Levine, en el sello Deutsche Grammophon.

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- Notas, fuentes y vínculos -·

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De nuevo les traemos un anuncio que nos ha encantado. Tampoco es extraño, pues les confesamos -llámennos frikis si quieren- que la melodía de nuestro teléfono es precisamente esta, entre otras, y que el “padre oscuro” es uno de nuestro ídolos de infancia. Les hablamos del nuevo anuncio de Volkswagen, “The Force”. Según nos cuentan (1) :

“Se emitió en la pausa publicitaria del pasado partido de la Superbowl . Está protagonizado por un niño, Max Page -quien probablemente acabe siendo más popular que el equipo vencedor de la competición- disfrazado de Darth Vader, que trata de utilizar el poder de ‘La Fuerza’ en distintos objetos que tienen en su casa. Sus ‘poderes’ no funcionan hasta que se acerca al coche, el nuevo modelo de Volkswagen, el Passat 2012.

La compañía automovilística podría haber pagado por el anuncio hasta 3 millones de dólares, una elevada cantidad invertida que, en cuanto a repercusión pública, podría haberse llegado a amortizar sobradamente con los más de 120 millones de espectadores que conforman la audiencia potencial que tiene este evento y a los que se suman las más de 15 millones de reproducciones que ya tiene en youtube, una cifra que continúa aumentando.

Este estilo de campaña es un ejemplo del tipo de mensajes publicitarios en los que lo que se vende no es el producto principal, sino un sentimiento. Según el especialista  en publicidad, Robert Colt, la estrategia ha funcionado de forma muy eficaz con las familias, su público objetivo.”

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Y aquí un making of que tampoco va a la zaga.

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Es nuestra obligación, ya puestos, traerles algo de un genio de la música, John Williamas, autor de esta “Marcha imperial“, de la banda sonora de “Star Wars”. Williams es un destacado compositor de bandas sonoras; películas tales como “Cógido del Hampa“, “La Aventura del Poseidón“, “El Coloso en Llamas“, “Tiburón“, “Encuentros en la Tercera Fase“, toda la saga de “La Guerra de las Galaxias“, “Superman“, la serie de Indiana Jones, “E.T.”, “El Imperio del Sol“, “La lista de Schindler“, la saga de “Parque Jurásico“, “Salvar al Soldado Ryan“, “Minority Report“, “A.I.“, “Múnich“… llevan su sello. Esto da vértigo y merece, per se, una entrada propia que ya haremos.

Como aperitivo les dejamos con una selección de temas de la saga de Star Wars por cortesía de Grooveshark.

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- Notas, fuentes y vínculos -.

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·Que la fuerza te acompañe…

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En nuestra pasada entrada “Las Llaves del Cante” ya dejamos claro que la concesión de este galardón no está exenta de polémica, pues hay quien piensa que no están todos los que son ni son todos los que están. El consiguiente paso ha sido pedir oportuno asesoramiento a nuestras fuentes, sapientísimas (1), en la materia. De modo que, a continuación, con todos ustedes, los que son y deben estar. Entendemos que esto es una opción personal, y por tanto discutible, de modo que volvemos a caer en lo que queremos evitar. Sin embargo, este tipo de contradicciones cíclicas y casi “escherianas” no pueden ser más de nuestro agrado.

Cuatro cantaores ha habido, según parece, sin su justo y necesario reconocimiento en forma de llave. Para desfacer este entuerto les abrimos, para todos ustedes, las puertas del Cante (2).

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Antonio Chacón García, “Don Antonio Chacón“.

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“Jerez de la Frontera (Cádiz), 1869 – Madrid, 1929. Cantaor. Uno de los más grandes cantaores de todos los tiempos.

Era niño cuando comenzó a juntarse con el guitarrista Javier Molina y un hermano de éste, bailaor, y hacia 1884 los tres juntos se lanzaron por los caminos de Andalucía para ganarse la vida en el flamenco. Pasaron peripecias y penalidades pero Chacón solía decir, siendo ya famoso, que nunca había sido tan feliz como entonces.

Fue Silverio Franconetti quien primero le contrató para su café sevillano y según Fernando el de Triana también el primer cantaor que allí ganó veinte pesetas. Todos los notabilísimos artistas de la época de Chacón prescindieron de sus derechos de antigüedad y acordaron cantar por delante del fenómeno; así serían escuchados e indiscutiblemente aplaudidos, pues al terminar Chacón la primera sesión quedaba el salón completamente desalquilado de personal hasta que de nuevo comenzaba el público a concurrir para la sesión de madrugada. Chacón recibió pronto el tratamiento de “Don”, con que fue distinguido por la admiración que despertó en vida.

Chacón dejó su impronta en casi todos los estilos que abordó, y culminó en los llamados cantes libres, en los que halló el mejor terreno para sus personales condiciones de voz y capacidad creativa. La cartagenera, las malagueñas y la granaína y media granaína fueron géneros en los que su genio brilló de manera excepcional. Su discografía es al respecto muy interesante. Fue el primer cantaor payo que dio a conocer la escuela del cante flamenco, con su técnica creativa y su voz rica en matices, y a partir de entonces fueron apareciendo muchísimos cantaores que siguieron su técnica, creándose distintas formas y distintos matices y así fue como se enriqueció el cante flamenco, reconociéndolo como uno de los más grandes maestros.

Cuenta la historia que su cadáver fue metido en un lujoso ataúd negro, con herrajes de plata, y llevado en una carroza tirada por seis caballos. El cortejo fue presidido por el Duque de Medinaceli y se detuvo en la puerta del Teatro Pavón, donde muchos amigos y compañeros cantaron en su memoria, siendo enterrado seguidamente en el cementerio de la Almudena de Madrid: fue el entierro, de toda nuestra historia del cante flamenco, digno de un Rey.

El cante llora una pena
desde que Dios lo llevó,
por eso quiero recordar
algo de la gran solera
de esta perfecta escuela
que dejó este gran maestro
llamado D. Antonio Chacón.”

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Al jerezano nos lo han destacado por malagueñas; aquí están:

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(Aquí un regalito para “povedistas”).

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Manuel Soto Loreto, “Manuel Torre” (por su gran estatura).

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“Jerez de la Frontera (Cádiz), 1878 – Sevilla, 1933. Cantaor. Figura gigantesca del cante, a quien Fernando de Triana llamó “cantador de leyenda”. Gitano analfabeto -el hombre “con mayor cultura en la sangre” para García Lorca- pero en posesión de una singular sabiduría para todo lo relacionado con su arte.

En la casa en que vivía ocurre, cada noche, algo sorprendente, y es que las vecinas esperan hasta altas horas porque cuando Manuel llega, ‘a las tantas’, les susurra la nana a sus niños. Fue, probablemente, el cantaor con más duende de la historia y también el más sometido a la tiranía de esa misteriosa fuerza inspiradora de lo jondo (…) y yo le decía a mi padre: ‘papá, ¿pero Manuel canta mejor que Tomás el Nitri?’ Porque a mi padre no se le podía discutir Tomás el Nitri. ‘Es otra cosa diferente -decía-. Tomás el Nitri es el mejor cantaor que yo he oído, pero no me ha levantao del asiento como Manolo’.

Manuel Torre fue un cantaor largo, que hizo casi todos los estilos y en todos -en unos más y en otros menos- dejó la firma de su personal genialidad. Pero en algunos fue verdaderamente único. La saeta, que elevó a una excepcional categoría, dotándola de un dramatismo y un sentimiento que lastimaban. Portentoso siguiriyero, de una personalidad que marcó decisivamente todas las formas que recreó.

La Soleá y la Seguiriya
de luto las dos están
a la muerte de Manuel Torre
que puso estos dos estilos
en un gran pedestal.
Jerez de la Frontera fue su cuna
y llorando también está
porque murió su gitano
que mejor cantaba por Soleá.
La Seguiriya le llama a voces,
dónde está Manuel Torre
que ya no, no me quiere cantar,
por eso yo quiero, en la memoria
de este gran cantaor,
siempre poder recordar
todos los cantes
desde el más chico
hasta el más grande.”

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(Manuel Torre entrega la Llave del Cante a Manuel Vallejo).

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(Manuel Torre por soleá y debajo por siguiriyas).

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Pastora María Pavón Cruz, “La niña de los peines“.

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“Sevilla, 1890 – 1969. Cantaora. La voz de mujer más importante que hasta ahora ha dado el flamenco.

Fue en el Café de la Marina madrileño, en la calle Jardines, siendo todavía muy joven, cuando comenzó a ser conocida como “la Niña de los Peines”, al popularizar por tangos una copla que decía: “Péinate tú con mis peines; / mis peines son de canela…” Su ascensión fue fulgurante. Lo cantó todo, y casi todo a la perfección. García Lorca estaba fascinado con ella y la tomó como paradigma de la cantaora enduendada.

Insuperable en los tangos, por cantidad y por calidad, a los que dotaba de una extraordinaria jondura; todo el cante de Pastora fue esencialmente jondo. Las siguiriyas siempre se las pedía el público, en un tiempo en que las mujeres no frecuentaban ese cante. La petenera fue otra de las cumbres del cante de esta mujer, cuya forma de encarar el género es la que prevalece hasta hoy mismo. La soleá de Mercé la Serneta, a quien había tratado en su juventud y con quien se sentía muy identificada. La saeta, de la que fue intérprete genial cuando cantaban en Sevilla los más grandes del género. Suprema en las bulerías. E incluso se atrevió a alguna incursión en el campo creativo, como fue el caso de la bambera.

En 1996 la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía declaró su voz Bien de Interés Cultural.

Todos los cantes, Solea, Seguiriyas,
Tientos, Martinetes, Tangos y Peteneras,
se lamentan diciendo, falta la reina del cante
que fue nuestra Pastora, creadora de cantes
como la Bamberas y Lorqueñas,
queda en la historia del flamenco
como la más grande emperaora,
como recuerdo a esta gran cantaora
se le pone un monumento en su Alameda.”

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Manuel Ortega Juárez, “Manolo Caracol“.

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“Manuel Ortega Juárez. Sevilla, 1909 – Madrid, 1973. Cantaor. Último genio de una fabulosa dinastía gitana que dio al flamenco y a los toros nombres de leyenda.

Manolito Ortega triunfó niño, en el Concurso de Cante Jondo de Granada de 1922, en el que don Antonio Chacón junto con Manuel Torre y la Niña de los Peines fueron presidentes del jurado. Desde entonces comenzó a llamarse el Niño de Caracol. Lo contrataron de inmediato para algunos espectáculos, pero aquella primera etapa la vivió dedicado casi en exclusiva a las fiestas privadas, que podían durar más de un día. Durante la guerra civil española las fiestas casi desaparecieron y Caracol se dedicó fundamentalmente al teatro como medio de supervivencia. De ahí surgió la estampa escenificada, obra de su genio heterodoxo, y que él llevaría junto a Lola Flores a su más alta expresión, a partir de 1943, cuando los dos excepcionales artistas se encontraron y comenzaron a trabajar juntos.

En casi todos los géneros que abordó puso algo personal y único, que provocaba arrebatadoras pasiones entre seguidores y detractores. Hacía hincapié en el carácter propio y personal de su cante. Tuvo fama de heterodoxo, porque hacía cosas que los puristas no le perdonaban -cantar con piano, por ejemplo, o con orquesta, que ahora tanto se hace-, pero él defendía apasionadamente sus propios criterios y jamás se apeaba de ellos:

“Yo intento hacer los cantes a media voz, que es como duelen. Esa es la hondura. Porque el cante no es ni de gritos ni pa sordos. El cante hay que hacerlo caricia honda, pellizco chico. El que se pone a dar voces, ese no sirve…”.

Destacó en las bulerías, martinetes, siguiriyas y soleares. Creó un tipo de fandango, al que llamó “caracolero”. Destacó por la interpretación de la zambra.

Falleció en accidente de automóvil, el 24 de febrero de 1973. Su entierro constituyó una gran manifestación de duelo, con asistencia de autoridades, artistas y aficionados tanto de Madrid como de diversos lugares de España. Este mismo año fueron dedicados a su memoria los festivales flamencos de distintas ciudades andaluzas, entre ellos los de Utrera y Granada y los Cursos Internacionales de la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera y su Fiesta de la Bulería.

Las campanas de Sevilla
y de toda España entera
replicando a gloria estuvieron
a la muerte de su mejor cantaor
llamado Manuel Ortega,
como para toda la afición
artísticamente Manolo Caracol,
para orgullo del mundo entero
queda en la historia del flamenco
como el mejor de los artistas,
admirado con mucha devoción
por su arte de entrega y pasión
siempre estará en el recuerdo
para todo el buen aficionao.”

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-Notas, fuentes y vínculos-.

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