nuestra tía recomienda

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Nacida el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México, Frida Kalo sufre a los 6 años las secuelas físicas de la poliomelitis, que la hace luchar por su vida e integridad emocional.

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(“La columna rota”, 1944).

Pertenece a la 1ª generación de mujeres que ingresa en la Preparatoria Nacional de México para estudiar medicina, entrando a formar parte de “Las Cachuchas”, donde da rienda suelta a su espíritu rebelde. Conoce ahí a su futuro marido, el conocido muralista Diego Rivera.

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(“El camión”, 1929).

En 1925 tuvo un accidente terrible que la dejó al borde de la muerte. Dio sus primeras pinceladas tumbada en la cama, con la ayuda de un espejo situado en el techo. Comenzó pintando los corsés que la tenían inmovilizada con las acuarelas de su padre.

“Pinto autorretratos porque estoy gran parte de mi tiempo sola, porque soy la persona a quien mejor conozco”

(“Autorretrato con traje de terciopelo”, 1926), (“Autorretrato con collar”, 1933)

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(“Autorretrato con collar de espinas”, 1940).

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Se dice que esta fue su última pintura, “Viva la vida” 1954, pero hay quien opina que el cuadro es anterior y días antes de morir Frida añadió al cuadro “Viva la vida – Frida Kahlo, Coyoacán 1954 – México”, como si de una despedida se tratase.

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“Viva la vida”, Coldplay.

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“YO NO PINTO SUEÑOS, PINTO MI REALIDAD”.

Fuentes y enlaces.

Sitio oficial.

Fans de Frida.

Para que digan luego que el hábito no hace al monje. Contemplen a un jovencísimo –sólo dieciséis años– y desconocido Juan Diego Flórez, considerado hoy como uno de los mejores tenores ligeros del mundo, haciendo gala de sus poco desarrolladas –aún– habilidades cantoras. Voz bien colocada,  en ocasiones al límite de la afinación, en un repertorio poco adecuado, y en un tono poco apropiado para su registro. En definitiva, como reza el título del horrísono tema, veánle recorriendo un “camino equivocado” (si bien con la dignidad y honestidad que caracterizan sus interpretaciones).Cinco años después, tras un duro proceso de estudio, daba sus primeros pasos en el difícil mundo del belcantismo. Ahí es nada.

(Un desconocido Juan Diego Florez defiende un clásico popular en este impagable vídeo)

(El triunfo de la técnica, la madurez y el estudio: Florez interpreta Una furtiva lacrima, de L´elisir d´amore, de Donizetti)

Bienvenidos a la América profunda, de la mano de estos gigantes del gospel, un género musical que apenas nos resulta familiar pero al que, en virtud de nuestra pasión por las armonías vocales, no tardaremos en ir haciendo el paladar. Vean cómo ante sus atónitos ojos se edifica la Ciudad de Dios mientras nuestros prohombres alcanzan notas imposibles en medio de una vorágine de amas de casa que mascan chicle, bingueros bromistas, abuelos ligeramente despistados y una multitud de frenéticos del aplauso acompasado. Es el genuino espíritu del gospel. God bless you!…

En este primer tutubo, el fantástico tenor ligero Johnny Cook, conocido por su participación en el grupo the Happy Goodmans en los años setenta, bromea con la contralto Vestal Goodman compitiendo por alcanzar el registro más alto, resultando claramente vencedor el afamado tenor. Ha habido muchos tenores extraordinarios en la música gospel, pero posiblemente ninguno tan honesto, directo y sincero en su ejecución como Johnny Cook. Y por supuesto, hemos de añadir que no se trata aquí de falsete, sino que el muchacho canta en registro natural de tenor agudo. No dejen de ver su excelente versión de Here They Come.

“Looking For A City” By Vestal Goodman & Johnny Cook (1974)

En este caso se trata de otro admirable tenor agudo, Jay Parrack, alcanzando notas increiblemente altas  (1) en esta enérgica y estupenda versión de Get Up, get ready un tema clásico de la formación Gold City, que realizan un magnífico trabajo en las armonías vocales. Las tomas sobre el público proporcionan una visión impagable del ambiente típicamente americano del evento.

Gold City interpretan  un magnífico  Get up Get Ready

(1) Para ubicar correctamente el impresionante registro de este tenor recomendamos este tutubo en que se presentan algunas de las voces más populares de los tenores actuales de gospel, explorando sus registros más altos, desde el C5 (el mal llamado Do de pecho,  límite para muchos tenores dramáticos) hasta las estratosféricas notas de Jay Parrack (en el vídeo casi un do de soprano ) en plena voz. Un auténtico disparate, si hemos de creer, como decía Plácido Domingo, que el registro natural del varón es el de barítono (cada uno arrima el ascua a su sardina, obviamente.)

El término italiano castrati -castrado- es suficientemente explícito para detenernos en detalles sobre el tema al que hace referencia, pero aún así el asunto requiere algunas explicaciones.  La denominación  se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración  para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto). El término tradicional español, hoy en desuso, referido a este concepto era capón. (wiki) 

 En el ámbito de la música, ésta de la castración llegaría a ser práctica común en la era del Barroco para impedir el desarollo de un muchacho en la pubertad y garantizar así que su voz permaneciese con las características típicas de las voces blancas. La voz del castrato combinaba el registro alto de una mezzo o una soprano con la potencia de la voz del varón. En la época de esplendor de los castrati, esta actividad era también una forma de asegurar la salud económica de la familia, porque el exotismo y la rareza de este tipo de cantantes eran entonces valores  en alza. 

(Arno Raunig, un reputado sopranista austriaco, canta el aria “Se l’augellin sen fugge” de La Finta Giardiniera, de Mozart)

La eviración de los jóvenes cantantes comienza, al parecer,  cuando en la Hispania del Al-Ándalus se observa que si se somete a la emasculación del varón prepúber, éste podía en algunos casos conservar a lo largo de su vida la voz infantil, tal y como sucedía con los eunucos de los harenes (1). Aquí algunos sitúan el inicio de la práctica de la castración que tantos divos dio a los escenarios de los siglos XVII y XVII (ibid) 

Por supuesto, hoy día no hay ningún castrati, que nosotros sepamos, que se dediquen profesionalemente con éxito a la música;  hay tenores agudos, contratenores, falsetistas y sopranistas; quienes desarrollan una técnica de canto muy depurada, basada en el falsete y el registro de cabeza para acceder a los tonos altos.  

Dentro de este tipo de voces que contemplamos, la más extendida es quizá la del contratenor. ¿qué es un contratenor? : es una voz más del espectro de las voces humanas, que está ubicada en la misma categoría, atendiendo a parámetros físicos, que las del alto femenino. Así pues, si clasificamos la voz humana de agudo a grave, podemos distinguir soprano como la voz más aguda de todas, seguida de mezzosoprano, a la cual sigue la categoría que nos ocupa: alto femenino (lo que habitualmente denominamos contralto) y masculino (el contratenor). Tras ellas va el tenor, seguido de barítono y bajo, todo ello, claro está, sin atender, para no extendernos innecesariamente, a las subclasificaciones (fuente) 

(Russel Oberlin, el mejor contratenor de la música contemporánea, explica en este tutubo cuáles son las características de esta voz )

( Oberlin, interpreta una pieza de Henry Purcell, también a su vez contratenor)

La formación técnica de un contratenor es fundamental, como en cualquier otra voz, pero quizá sea especialmente importante por lo que de delicado tiene esta voz. Antiguamente se abusaba del uso de la voz de cabeza para todo el registro, por lo cual era necesario “cambiar” a la voz de barítono a partir de determinada nota del registro medio-grave Con el andar de los tiempos, se ha tendido a formar a los contratenores en la escuela belcantista tratando esta voz como al resto de las voces. (1) 

La voz de contratenor no ha tenido cabida en el mundo de la ópera a lo largo de nuestra historia musical, sino en el de la música religiosa. Y es por ello que hoy tiene tantos detractores en su uso sobre los escenarios operísticos. (1) (…) La voz del contratenor fue habitualmente utilizada en el ámbito de la música religiosa. Ya hay noticias de este tipo de cantantes, que además eran españoles, en Munich, en la Capilla de Orlando di Lasso, entre 1560 y 1570, así como en Portugal, durante el reinado de Don Sebastián (1557-1578). 

No está claro si estos cantantes habían desarrollado un tipo de canto similar a la de voz de falsete, o si se habían visto “complementados” con la práctica de la castración clandestina. Sea como sea, no eran considerados castrados.Perdemos la pista a los contratenores a lo largo de los siglos XVII y XVIII, eclipsados por el grandísimo éxito que tuvieron los castrati italianos. (…) Es en pleno siglo XX, tras la extinción de la práctica de la castración con fines musicales, cuando los contratenores han resurgido como alternativa para los papeles escritos para aquellos divos del bel canto que fueron los castrati. 

 ( Andreas Scholl , uno de los mejores contratenores actuales, intrepreta una composición de John Dowland)

(Andreas Scholl metido en harina ; en este vídeo pueden contrastar su voz natural con su característica voz cantada)

Por otro lado,  aunque son más raros, hay individuos en cuya voz no se ha desarrollado en la pubertad, como el sopranista Michael Maniaci, que tienen el registro de una soprano, pero con voz de pecho, luego más redonda, con cuerpo y fuerza que la de un falsetista o contratenor. 

En realidad, Maniaci es el único hombre “plenamente desarrollado” capaz de cantar en el registro de soprano usando su voz normal –no el falsete–. Los llamados castrati como Jorge Cano o Radu Marian también cantan en el mismo registro porque nunca accedieron a la pubertad. En el caso de Maniaci, sí hubo ese tránsito, aunque su voz nunca se vio afectada por los cambios hormonales, lo que lo hace un caso tan especial. 

 (Michael Maniaci cantando alguna “cosilla” de Mozart)

Hemos visto que Maniaci no es un castrato -en el sentido estricto del término- desde el punto en que hormonalmente es un individuo perfectamente normal. La ausencia de testosterona produce algo más que aligerar el tono de la voz; causa alteraciones en todo el organismo, lo cual también afecta a la calidad de la voz.(Esto es especialmente patente en el caso de Alessandro Moreschi, el último castrato y el único del que se conservan grabaciones. Por otra parte, su técnica jamás fue tan sólida  ni depurada como la de cualquier contratenor de nuestros días.) 

(Pierdan un momento viendo a Michael Maniaci, emulando al pequeño Saltamontes, en esta pieza de Handel) 

Maniaci es hormonalmente normal, lo cual significa que es incluso más exótico que un auténtico castrato, tiene una voz de registro muy alto, pero también toda la profundidad, cuerpo, riqueza y textura de la voz de un varón saludable. Hablando pronto y mal, el caso de Maniaci no es una cuestión de huevos; éstos parece que andan bien: es su laringe la que no ha envejecido por alguna misteriosa razón.  Les proponemos que echen un vistazo a este tutubo –que no podemos insertar por misteriosas razones– en las que Maniaci hace ciertas consideraciones interesantes sobre su propia voz.

El origen de la castración con fines musicales se sitúa en torno al año 1550  en que se conservan los primeros documentos referentes a cantantes castrados en Roma y Ferrara.  De hecho, la castración con este propósito se practicaba casi exclusivamente en Italia,  aunque pudo originarse en España  como hemos visto anteriormente, y se realizaba raramente en los estados más meridionales de Alemania. En España se realizaba en un pueblo llamado Castalla (wiki) ; la práctica se extendería durante varios siglos, convirtiendo a los castrati en un fenómeno muy popular y valorado socialmente. Fueron voces muy codiciadas y aplaudidas. Uno de los más famosos castrati fue Carlo Broschi más conocido como Farinelli. 

(El extraordinario Philippe Jaroussky, mejor artista lírico francés en el año 2003, con sólo 28 años, interpreta magistralmente este aria de Vivaldi) 

(Vitas interpreta el tema Dedication, con un escalofriante dominio del falsete y emitiendo sonidos más allá de la imaginación)

(Momentos del making-off de la película Farinelli, con especial hincapié en la preparación belcantista del actor que interpreta al castrati)

-Fuentes y vínculos-

(1) Los Contratenores, un buen artículo del contratenor Luis Calero, del que hemos citado algunos fragmentos para nuestra entrada. 

(2) Los contratenores más famosos de nuestra historia reciente, aquí.

(Gregorio Allegri, sacerdote, cantante y compositor italiano).

Desde la fecha de su composición el Miserere se canta en la Capilla Sixtina en la mañana del Miércoles y del Viernes Santo. Miserere es el nombre que se da al salmo 51 de David en la Biblia por empezar con dicha palabra en la versión latina.

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El Miserere de Allegri se canta a cappella. Está escrito para dos coros, uno de cuatro voces y otro de cinco. El primer coro canta una versión simple del tema original y el otro, a cierta distancia, canta un comentario más elaborado. Esta obra constituye uno de los mejores ejemplos del estilo polifónico del Renacimiento, llamado en el siglo XVII stile antico o prima prattica, y denota las influencias combinadas de la escuela romana (Palestrina) y veneciana (Andrea y Giovanni Gabrielli, el coro doble).

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El Vaticano mantuvo celosamente en secreto esta obra durante más de 130 años, para su interpretación exclusiva en Semana Santa y solamente dentro de la Capilla Sixtina, so pena de excomunión. Háganse una idea de la profunda impresión que puede causar en el que la oye por primera vez, y más en un momento y lugar tales. Aún así, algunas partituras lograron colarse, aunque dadas las modificaciones no conocemos cómo era esta obra originalmente. La prohibición terminó con la visita de un joven de 14 años, un tal Wolfgang, quien tras oír la pieza una sóla vez la trasncribió completa. Lejos de ser castigada, esta hazaña fue premiada por el Papa y con ello terminó el secreto. Deléitense con esta maravilla de la Música, de la que les traemos, como solemos, tres versiones distintas para que ustedes busquen, comparen y si encuentran algo mejor nos lo hagan saber.

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Aquí, el Salmo 51 en español.

1. Del maestro de coro. Salmo. De David. 2. Cuando el profeta Natán le visitó después que aquél se había unido a Betsabé.

Dedicamos esta entrada a nuestro amigo Klingsor, quien nos abrió la puerta a tan maravillosa obra.

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En toda Europa se han llevado a cabo diferentes ritos y celebraciones ante la llegada de los solsticios, y esto desde tiempos prerromanos; ceremonias en la mayor parte de las cuales ha jugado una función preponderante el fuego. Coincidiendo con la entrada del Solsticio de Verano se celebra en España y otros lugares del mundo la Noche de San Juan; ésta es una festividad muy antigua en la que se celebra la llegada del solsticio de verano en el hemisferio norte cuyo rito principal consiste en encender una hoguera. La finalidad de este rito era “dar más fuerza al sol”, que a partir de esos días, iba haciéndose más “débil” —los días se van haciendo más cortos hasta el solsticio de invierno—. Simbólicamente el fuego también tiene una función purificadora en las personas que lo contemplaban. (1)

(La Danza del Fuego, por cortesía de Manuel de Falla y Daniel Barenboim)

 (La inolvidable versión “sideral”  de la Danza del Fuego perpetrada por Los Relámpagos)

(La Danza ritual del fuego en una escena del Amor Brujo, de Carlos Saura)

(Los Doors son los encargados de prender la llama para este fuego estival con Light my Fire)

(Sammy Hagar, de MONTROSE, también tiene el fuego. I´ve got the Fire)
 

(Nuestra favorita para estas fechas: Arthur Brown, el mismísimo God of Hellfire, nos brinda su particular Danza del Fuego. Fire!!!)

(1) Fuente: wikipedia, la Festividad de San juan

 (2) Más del extraordinario Arthur Brown, dios del Fuego del Infierno, próximamente.

(Arcimboldo, Verano).

Como nos cuenta el doctor Flegatanis -ya se nos pegan cosas suyas- acabamos de cruzar una puerta entrando al verano. Reconocemos nuestra predilección por esta época, así  que vamos a deleitarnos con ella, no sin antes despedir a la primavera como se merece…

(Disculpen lo inapropiado de las imágenes pero no hemos querido sacrificar la calidad musical por un tutubo visualmente más adecuado).

Vivaldi, Primavera, mvt 1: Allegro

…y dar la bienvenida al verano con esta otra maravilla de Vivaldi. (Algunos dirán que esto es casi de Greatest Hits, pero si es así  sus razones habrá. Difícilmente pueden arrancarse sonidos más bellos a un violín que los de Las Cuatro Estaciones). Vuelvan a disculpar la noñez de las imágenes en aras… etc, etc.

Vivaldi, Verano, mvt 3: Presto

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(Pieter Brueghel el Viejo, El Verano).

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Segun Wikipedia: “Summertime es un aria compuesta por George Gershwin, con letra de DuBose Heyward, Dorothy Heyward e Ira Gershwin para la ópera Porgy and Bess, de 1935. Esta canción conforma un importante referente dentro de la música, convirtiéndose en un estándar dentro del jazz. Gershwin comenzó a escribir esta canción en diciembre de 1933, su intención fue capturar el folclore de la música afroamericana de esos tiempos. Dentro de la obra la canción es escuchada en el Acto I por Clara como una canción de cuna, en el Acto II de nuevo por Clara y en el Acto III ahora por Bess, cantándole al bebé de Clara”.

Escuchen estás dos versiones del tema, una operística, a cargo de Kiri Te Kanawa…

… y otra de negros con los sudores, o sea jazz (disculpen la gracieta), por cortesía de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald, no menos apetecible.

Summertime and the livin’ is easy
Fish are jumpin’ and the cotton is high
Oh your daddy’s rich and your ma is good lookin’
So hush little baby, don’t you cry
One of these mornings
You’re goin’ to rise up singing
Then you’ll spread your wings
And you’ll take the sky
But till that morning
There’s a nothin’ can harm you
With daddy and mammy standin’ by

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Hablando de Gershwin no nos podemos resistir a ofrecerles este bis que, particularmente y sin motivo racional explicable, también nos recuerda las noches de verano; anticipo de agradables veladas en buena compañía al fresco nocturno. He aquí Rhapsody in Blue, una de sus obras más conocidas. No nos nieguen que es escuchar la música y sentir pegajosa la camisa en el cuello; otro tipo de sinestesia.

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Otra tentación que no hemos podido evitar hablando del verano… ¿les recuerda algo? Felices vacaciones.

(Pieter Brueghel el Joven, El Verano)

(Algunos de los miembros de la tripulación de Viajes con mi tía, presentando sus gratesjí al son de la música duduá)

Los fenómenos del DUDUÁ

El  Doo-wop es una forma de la música popular moderna, un estilo típico del rock and roll de los años cincuenta, que se caracterizaba especialmente por las armonías vocales de unos coros que cantaban casi a “a capella”, con muy pocos instrumentos de acompañamiento y escasa o nula orquestación. Se dice que este peculiar estilo se formó cuando los grupos de adolescentes se aglutinaban en las esquinas de la calle para cantar sin más; muchos de ellos eran italianos o afroamericanos, y con su música  y sentido del ritmo expresaban las penas y miserias que llegan con la juventud y el primer bozo, porque,  no lo olviden nunca, señores,  es muy dura la vida del imberbe y barbilampiño italoafroamericano. Así, estos fenómenos del duduá  se entregaban para olvidar su sufrimiento a imposibles acrobacias vocales acompañadas de los más básicos beats. La estructura más común incluía una armonía de de voz principal y bajo, acompañados de dos o tres voces que se ocupaban de las filigranas armónicas y rítmicas, amén de diversas extravagancias y piruetas musicales. Todo un espectáculo. Aquí en Viajes con mi tía nos chifla la música “Duduá“, por eso les ofrecemos esta chuleta con los veinte más grandes del duduá :

 1. Robins / Coasters
  2. Drifters
  3. Frankie Lymon & the Teenagers
  4. Cadillacs
  5. Clovers  (*)
  6. Dominoes
  7. Cleftones
  8. Crests
  9. Del-Vikings
10. Dion & the Belmonts
11. Five Keys
12. Moonglows
13. Lewis Lymon & the Teenchords
14. Valentines
15. El Dorados
16. Norman Fox & the Rob Roys
17. Five Discs
18. Kodaks
19. Spaniels
20. Charms

(El popurrí del duduá; para que se animen a menear la penca)

(Más duduá con estos broncíneos vikingos)

A-well-a don’t you know about the bird?
Well, everybody knows that the bird is the word!

(Surfing Bird, de The Trashmen; no es exactamente duduá, sino más bien papaún mau mau)

(1) Los cien temas más grandes del Duduá, en esta página.

* El gran Ronnie James Dio también hizo como nadie el Duduá (aquí su versión de Love Potion Number Nine)

Les proponemos un viaje al pleno corazón del invierno de la mano de Thomas Quatshoff , barítono y Daniel Baremboim, al piano, dos sublimes intérpretes para esta pieza de Schubert.

Thomas Quasthof es  un artista increíble,  al que no dudan en coronar el digno sucesor del gran Dietrich Fischer-Dieskau.  Quasthof posee una de las voces más expresivas y cálidas de su género, de enorme fuerza dramática y a la vez extrema delicadeza, patentes en cada una de las notas de su excelente fraseo. El contraste de la voz  con el impactante aspecto físico del  cantante, convierten la mera escucha en sí misma en toda una experiencia que  nos invita a meditar sobre la  eternas cuestiones  de los límites  la belleza, la fealdad y  la muerte,  para embarcarnos en un viaje más allá  de la mera experiencia musical.

Tributo a Dietrich Fisher-Dieskau

(1) Dedicado especialmente a nuestro amigo Klingsor…etc.etc.

Dennis Hopper (1936 – 2010)

(Born to be wild, de Steppenwolf, un himno para más de una generación)
(1) Dedicado especialmente a mis amigos de Algeciras Chapú Band, con afecto.Rock and Roll!