Memento Mori

“En muchos sentidos, Harvey Pekar es un mindundi de los más corriente, como tú y como yo. Tiene su currele a jornada completa, sus gatos, su compañera sentimental… y sus guiones para American Splendor , el tebeo desde donde lleva contándonos como le van las cosas desde 1976 ” (via) 

Con su muerte esta semana a los setenta años, el mundo del cómic pierde a uno de sus más genuinos y verdaderos anti-héroes americanos. Harvey Pekar ha logrado para sí mismo un hueco en el panteón de los dioses del cómic, batallando duramente contra las dificultades del proceso creativo y el vacio de la anodina vida diaria, a menudo trabajando con material extraído de su propia existencia corriente en el entorno de su Cleveland natal. Pekar ha sido posiblemente el primero y más avezado artista en usar el medio impreso para ilustrar las fobias, miserias y defectos del hombre corriente. (1)   

Harvey Pekar no fue un artista en el sentido usual del término, sino más bien un escritor en la línea de Charles Bukowski, y más cercano aún al monstruo del cómic Robert Crumb, con el que mantuvo una estrecha y fructífera colaboración. Fue la pasión compartida de ambos por el jazz y la vieja música americana lo que llevó a Pekar y Crumb a consolidar primero una amistad y más tarde una duradera relación creativa que permitiría la eclosión definitiva de Pekar como autor. Fueron las historias de éste último, y no los desgarbados garabatos que las acompañaban, las que impulsaron a un reputado Crumb a ser el primero en dar una oportunidad a Pekar ilustrando sus guiones del cómic que le hizo famoso, American Splendor. 

 La serie de historias conocida como American Splendor narra la vida cotidiana de su protagonista y autor, Harvey Pekar, desde el primer número publicado en 1976. A lo largo de su vida, incluso tras haber alcanzado fama y cierto éxito como autor de cómics, Pekar continuó trabajando como archivero en un hospital. Tras la explosión de la novela gráfica y el cómic sesudo y de tono autobiográfico, la obra de Pekar, en su condición de precursora,  ha alcanzado aún mayor notoriedad y relieve.

(Una viñeta de Crumb para American Splendor) 

En 2003 el cómic de Harvey Pekar fue llevado al cine  por el director Shari S. Berman en una película memorable que contaba con la aparición del propio Pekar y la actuación de Robert Pulcini (un formidable secundario al que  recordarán por su fenomenal interpretación en Entre Copas) que, sin embargo, pasó desapercibida para la mayoría del público: “ la película basada en los cómics de Pekar mostró nuevos registros de narración, nuevos caminos que emparentan el cine, la historieta y la vieja música jazz (…) Como pasa normalmente con este tipo de productos, el largometraje pasó con más pena que gloria por nuestras salas. Protagonizado por un actor encadenado a los papeles secundarios, basada en unos tebeos que nadie conoce y distribuida en muchas salas españolas en versión orginal subtitulada (…) Sin embargo, el riesgo recompensó a quienes se acercaron a su sala de confianza para disfrutar el largometraje (4)” 

Desde nuestras páginas nos sumamos a los elogios hacia la obra de Pekar y Crumb, y les recomendamos la lectura desapasionada de las páginas de este Esplendor Americano, del mismo modo que les invitamos a darle una oportunidad a esta curiosa película que en su momento quizá no tuvo el crédito que merecía.

(El trailer de American Splendor)  

(Música ratonera del agrado de Crumb y Pekar para los títulos de Esplendor Americano)  

  -Fuentes, notas y vínculos-

( ) Agradecemos a la Doctora Montag la sugerencia de este memento mori.

(1) Vean el artículo completo en versión original en The  Guardian  

(2) Una buena reseña de la película Esplendor Americano, que incita a su visionado 

Así rezaba el título genérico de la publicación en la que vimos por primera vez la obra del genial Victor de la Fuente, a la que de inmediato nos enganchamos;un estilo inconfundible el de este gran maestro  del cómic asturiano, creador de inolvidables aventuras,  fallecido recientemente a los ochenta y tres años, y que deja tras de sí un legado que permanecerá como un referente sin par en el mundo de la historieta. Víctor de la Fuente obtuvo en 1980 el premio Yellow Kid del Festival de Lucca y en el año 2006 resultó ganador del Gran Premio del Salón Internacional del Cómic de Barcelona, en reconocimiento a su dilatada y brillante trayectoria artística (1). Nuestro profundo agradecimiento a un gran artista que dedicó su vida y su talento a este apasionante mundo de los tebeos;  sumándonos  a un sincero homenaje como el que los artífices de estas otras excelentes páginas (2) dedican a este enorme creador.

(1) Fuente: La nuez. Qué mala nueva

(2) Más detalles sobre la inigualable obra de Victor de la fuente  y muchas de sus viñetas reproducidas aquí, acá y en este otro enlace, todos formidables espacios sobre el mundo del cómic y la ilustración.

Todos los intentos por localizar el lugar exacto de  la criminalidad en el cerebro humano han sido vanos. En la imagen, la cabeza de un criminal convicto es sometida a un bárbaro examen en busca del escurridizo instinto asesino. Más delicatessen como ésta en Phrenology. com . La doctrina sobre el cráneo y el cerebro fundada por el médico vienés Franz Joseph Gall (1758-1828) a finales del siglo xviii se proponía asociar las propiedades, facultades y disposiciones intelectuales a determinadas áreas de la corteza cerebral. A esas zonas circunscritas Gall las consideraba ”órganos”. Su empeño por comprender las bases materiales de la mente, a través de esa compartimentación topográfica del cerebro en que consistía su ”organología”, carecía de fundamento (1)

Mapa frenológico: un ensayo pre-científico de localización de las facultades mentales

(Servicio antropométrico del Palacio de Justicia. Sala de mediciones. (Anthropometric service of Court of justice in Paris – Measurement hall)

via

La frenología, que se ocupa de la personalidad y el carácter, difiere de la craneometría (el estudio del peso, tamaño y forma del cráneo), así como de la fisionomía (estudio de los rasgos faciales). Sin embargo, todas estas disciplinas aseguran predecir conductas o capacidad intelectual. En un tiempo fueron practicadas intensamente en el campo de la antropología y la etnografía  y en ocasiones utilizadas para justificar “científicamente” el racismo (3)

(El Juego de la Oca, que tenemos actualmente un poco olvidado, parece aflorar en los lugares más insólitos. Gracias a Klingsor por señalarnos esta curiosa imagen)

(1) Gal y la frenología

(2) Frenología y fisionomía, otra historia sobre la incursión del ocultismo en la sociedad de Watchtower

(3) Frenología, un artículo de la wikipedia

(4) Para paladares sin freno, en inconfundible olor  a podrido de http://www.rotten.com/

Frontispicio de la obra de Nicéron, Jean François
La perspective curieuse Avec L’optique et la catoptrique du R. P. Mersenne, 1663. (1) 

En un estudio sobre la obra escrita del sacerdote padre Jean-Francois Niceron, Les perspectives curieuses, nos enseñan los motivos por los cuales la pintura, asociándose a los últimos descubrimientos científicos y técnicos de su época –el desarrollo de la óptica y la cámara oscura– experimentó una verdadera revolución que la hizo pasar del mundo primitivo y caótico de la efigie al universo cerrado y sistemático de la construcción técnica. (2) El libro de Jean-François Niceron, Les Perspectives Curieuses ou magie artificielle des effets merveilleux, se abre con un elogio de las ciencias aplicadas, reclamando la posición de Arquímedes, que buscaba la perfección y el desarrollo de las ciencias en su vertiente de aplicación técnica.  

En la época de la publicación de esta obra –cuando el padre Niceron publica sus Perspectives curieuses en 1638, Descartes acaba de dar a la imprenta sus tratados sobre  Dioptrique y Géométrie–  asistimos al avance en el campo de la óptica, ciencia práctica que se fundamentaba en los axiomas de la geometría euclidiana, lo cual permitiría que la ilusión de la percepción pudiera  por fin llegar a ser comprensible y reproducible con la ayuda de medios y procesos técnicos. 

Si la pintura en tanto reina de las artes podía ser catalogada según la descripción de Platón como “el arte del simulacro”, la anamorfosis tal como la describía y la practicaba el padre Niceron, no podía sin embargo dejarse ubicar tan fácilmente en una categoría semejante. Porque la anamorfosis, revistiendo un aspecto científico y puramente técnico, es el lugar donde la óptica se revela a sí misma como verdadero arte del simulacro. 

(El uso virtuoso de la perspectiva ilusionista del pintor Andrea Pozzo)

La anamorfosis, a la que se dedica en parte el libro de Niceron, consiste en crear un imagen deformada que visualmente puede reintergrarse en un conjunto coherente desde un punto de vista fijo preestablecido. Es un procedimiento relacionado con la perspectiva, que se considera generalmente, en la historia del arte, como un factor de realismo en cuento restituye la tercera dimensión a la bidimensionalidad del plano del cuadro. Es ante todo un artificio que puede servir a este y otros fines encaminados principalmente a aportar este matiz de ilusionismo a la obra pintada o dibujada, pero también  tiene una vertiente que permite explorar el lado fantástico o aberrante de las cosas, consiguiendo elaborar imágenes deformadas o expresivas, tal y como hicieron por ejemplo los surrealistas, muy interesados por los juegos de perspectiva y las anamorfosis. (3) 

(Un clásico ejemplo de anamorfosis cilíndrica; el circulo delimita el área donde ha de colocarse el espejo para reintegrar la imagen deformada)

Desde la antigüedad se conocen los rudimentos de estos juegos perspectivos, a los que los artistas se entregaban con curiosidad. En la China de la dinastía Ming, entre los siglos XIV y XVII, se cuentan algunos ejemplos de anamorfosis. La mecánica de esta última fue ya descrita en los estudios de Piero della Francesca sobre perspectiva. Se sabe igualmente que Leonardo de Vinci  experimentó con esta técnica, y es conocido su dibujo en anamorfosis del ojo y el rostro de un niño, conservado en el Códice Atlántico (1485); Alberto Durero también dedicó tiempo y esfuerzo a investigar la temática de la perspectiva y la utilización de diversos instrumentos y aparatos para el dibujo, como se desprende de muchos de sus grabados y sobre todo de sus sesudos tratados sobre el estudio de la proporción y la geometría.

(Alberto Durero y sus ingenios para dibujar)

Pero habría que espear al desarrollo de la óptica, como mencionamos, para que la técnica de la anamorfosis alcanzara su punto más importante. Posiblemente, el mejor y más interesante ejemplo del uso de este procedimiento en la historia de la pintura sea la tela de Hans Holbein el Joven llamada Los Embajadores (1533) conservada en la National Gallery de Londres. O al menos, a nosotros nos lo parece. Y esto por varias razones que explicaremos seguidamente.

  Los Embajadores, de Hans Holbein el Joven (1533), National Gallery, Londres. 

Al margen de su incuestionable calidad como obra pictórica, que marca un hito en el género del retrato, y además de constituir un verdadero tour de force del virtuosismo técnico en la representación realista de texturas y objetos, este  cuadro de  Hans Holbein es aún más interesante porque esconde una imagen oculta, únicamente conocida por quien es capaz de descubrirla bajo una atenta mirada. Se trata de un objeto singular, de extraña morfología, que flota a ras del suelo, delante de los personajes retratados, ocupando buena parte de la escena: es la anamorfosis directa de un cráneo que se puede reconstituir a medida que el espectador se acerca prácticamente a la superficie del cuadro, mirando hacia la izquierda. Un halo de misterio y de solemnidad envuelve la escena hasta en sus mínimos detalles.

El secreto de este cuadro fascinante de increíble realismo, que mantiene un parentesco directo con las vanitas  o la tradición medieval  del memento mori, en el que  desde los dos personajes extrañamente inmóviles,  todo lo que se muestra allí parece reflejar la vanidad de las artes y las ciencias – de cualquier actividad o empresa humana, en suma–,  el secreto de este cuadro, decimos, se revela en el momento en que, alejándonos tan solo un poco, aprehendemos el significado de este enigmático objeto suspendido entre las figuras de los embajadores: una calavera, que nos refleja nuestra propia nada: vanitas.

 (La imagen reconstruída ópticamente del cráneo “escondido” en el cuadro de Holbein) 

Hasta aquí algún que otro ejemplo de la anamorfosis directa; hay también otras formas de anamorfosis, donde juega un papel relevante el uso de espejos cónicos o cilíndricos que se interponen ente la mirada y la pintura deformada que, finalmente, entrega su secreto al observador perspicaz. A este segundo tipo pertenecen estas otras imágenes que, recogidas aquí y allá, les presentamos. 

 (Un retrato anamórfico de Carlos de Inglaterra, a modo de memento mori)

(Anamorfosis cilíndricas del artista Istvan Orostz) 

 (Imagen anamórfica de Istvan Orostz

(Otro bello ejemplo de anamorfosis cilíndrica de Istvan Orostz)

(La magia de la anamorfosis descubierta en esta instantánea)

 (Más ejemplos de anamorfosis catóptricas)

(Esta escena dantesca es una muestra del virtuosismo de algunos artistas callejeros como Julian Beever en el arte de la anamorfosis)

  (Un gif animado que muestra la imagen deformada y su reconstrucción visual desde un punto donde el efecto ilusiorio es completo)

-Fuentes y vínculos-

(1) Para un acceso a la obra completa, ver Les Biblioteques Virtuelles, Les perspectives curieuses ou magie artificielle des effets merveilleux 

(2) Etude d’un portrait en anamorphose de Jacques d’Auzoles par le père J-F Niceron(3) Tomado de  Baltrusaitis, Jurgis, Anamorphoses, ou Thaumaturgis opticus, Editorial Flammarion. 

(3)Anamorfosis de este artista en esta dirección,Istvan Orostz.

(4) Un pequeño artículo con más detalles sobre el cuadro Los Embajadores, de Holbein. 

(5) Más anamorfosis, sus diversas variantes y explicaciones y ejemplos de cada una de ellas, en Ilusionario.

(6) Los asombrosos  trabajos del artista de la anamorfosis  Kurt Wenner

Una de las litografías más impactantes que el genial dibujante y grabador holandés Maurits Corneliis Escher concibió a lo largo de su viaje por el sur de Italia es la que representa un grupo de sacerdotes momificados,  dispuestos en hornacinas y con la sentencia “Ite, missa est“  –Idos, la misa ha terminado– bajo sus pies. En esta  imagen, además de un extraordinario  y tradicional memento mori,  algunos (1) han querido ver un indicio cristalino de la filiciación gnóstica y anticristiana del artista, patente en otros aspectos de su obra. Efectivamente, la leyenda sobre el final de la misa parece insinuar el fin de la religión católica. Esta sentencia, extraída de la liturgia traicional de la Santa Misa adquiere tintes aún más trágicos cuando consideramos la catastrófica situación de la religión católica en nuestros días…

ITE, MISSA EST

Escher tuvo probablemente a la vista al concebir esta litografía llamada Sacerdotes momificados en Gangi, Sicilia alguna horripilante escena similar a los innúmeros y escalofriantes cuadros que se ofrecen a la vista de los atónitos visitantes que se dejan caer por las Catacumbas del monasterio de los Capuchinos de Palermo, al sur de Italia, uno de los enclaves que el grabador quizá también pudo visitar a lo  largo de un dilatado y apasionante viaje de estudios, realizado con ocasión de  su luna de miel, en una suerte de tour de compagnonnage que perpetuaba la tradición de los artistas al norte de los Alpes, desde Durero a Rubens.

(La imagen de los sacerdotes momificados de Gangi, en Sicilia, que inspiró a Escher su litografía)

La villa siciliana de Palermo es un lugar que muchos no querrían visitar; un lugar oscuro, donde la pobreza es evidente. En esta atmósfera ominosa encuentra su lugar un monasterio de Capuchinos que alberga entre sus muros una de las colecciones más tétricas que soñarse puedan.  Una serie de catacumbas se hallan bajo el monasterio, que han visto como crecía su macabra población de cadáveres embalsamados hasta bien entrado el siglo XIX. Las catacumbas datan de 1599 cuando los sacerdotes locales momificaron un monje muerto en olor de santidad para que todos los habitantes de Palermo pudiesen verlo. Eventualmente prohibida en 1881, esta forma de momificiación era practicada por los monjes de modo tradicional. Habida cuenta de la manipulación de numerosas generaciones de embalsamadores, con diferentes grado de habilidad, existe una gran variación en el estado de conservación de los cuerpos. Algunos son simples esqueletos, mientras que en otros parece percibirse aún un hálito de vida. La mayoría, sin embargo, parece salida de una película de Lucio Fulci.

(Sacerdotes momificados en las Catacumbas de los Capuchinos)

(La Parca no entiende de edades, sexo o situación social)

Los monjes Capuchinos llegaron a Palermo en torno a 1534. Cuando uno de los miembros de la orden murió, fue enterrado en una gruta adyacente al monasterio. Hacia 1599, la gruta estaba llena de cadáveres, haciéndose necesario una ampliación del lugar para los enterramientos. Cuando se procedió a la exhumación de los cadáveres de la gruta, pronto se admiraron del buen estado de conservación de algunos de los cuerpos, de modo que cuando se procedió a construir las catacumbas en las criptas junto al monasterio y la iglesia, los monjes sabían que con ciertos cuidados y manejos específicos, las condiciones del lugar harían el resto para preservar tras la muerte los cadáveres de otros monjes.

Posteriormente, la gente quiso que sus parientes fallecidos recibiesen un trato similar; de modo que pronto se acumularían cientos de momias en las catacumbas. Algunas personas describían en su última voluntad el atuendo con el que deseaban ser recordados. Otros demandaban que sus ropas fuesen cambiadas regularmente. Muchas de las momias están vestidas, y lo obsoleto de las vestiduras otorga al lugar algo de teatral, dando al ambiente una atmósfera onírica o surreal, algo así como  un siniestro baile de máscaras. El suelo está literalmente sembrado de cera que cruje ruidosamente bajo las pisadas de los visitantes –aunque quizá no sea sólo cera lo que pisamos– . El aire del lugar es seco, para contribuir a la conservación de los cuerpos; en la cripta no hay ningún olor perceptible, aparte del polvo. Pulvis est, et in pulvis revertere.

Una perspectiva de las Catacumbas de los Capuchinos en Palermo, Sicilia

 ( Tutubo que muestra un aspecto de las Catacumbas de los Capuchinos en Palermo)

Dentro de las cataumbas hay cientos de ataúdes también; en la mayor parte de los casos, una de las caras de la caja está cortada para mostrar el cadáver en su interior. También hay niños. Dos están sentados juntos en una pequeña silla de piedra. El más célebre de todos es la momia de Rosalia Lombardo, uno de los últimos cadáveres enterrados en las catacumbas antes de que las autoridades locales terminaran con esta práctica. Fue embalsamada por Alfredo Salafia, y su estado de conservación es impactante.

(La momia de la niña Rosalia Lombardo)

Los monjes se enterraban con las ropas que llevaban en vida. Algunos llevan cuerdas, pendiendo de su cuello. Las cuerdas las portaban a modo de penitencia, en vida, y permanecieron con ellos en su muerte. El primer monje, y el cadáver más antiguo, es el del hermano Silvestro From Gubbio, muerto en el siglo XVI. El último monje enterrado aquí fue Riccardo de Palermo, que murió en 1871. Paradójicamente, la muerte también conoce aquí jerarquías, pues los cadávereres están dispuestos en categorías que van desde los hombres, a las mujeres, vírgenes, sacerdotes, monjes, y el resto del pueblo.

(Twist and Shout en Palermo)

(Un sacerdote continúa con su penitencia post mortem)

Las Catacumbas de los Capuchinos en Palermo constituyen, probablemente, el paradigma del memento mori por excelencia, un lugar inolvidable y extraordinario, un destino ideal para los viajeros de temple más acerado y una obligada cita -e inaplazable-  para todos.

-Fuentes y vínculos-

(1) Sobre el gnosticismo en algunos aspectos de la obra de Maurits Corneliis ESCHER, véase  Doctrine and Art

(2) Las momias de Palermo en la colección de Flickr

(3) La página de las catacumbas de Palermo

(4) Las momias de Palermo, en la página de excelentes fotografías de Cynthia Karalla.

(5) Varios tutubos de las catacumbas de Palermo enYoutube.

(6) Las catacumbas de los Capuchinos en Google Images

( 7) La camiseta serigrafiada con los curas momificados de Escher, en venta aquí.

(9) Más momias simpáticas, aquí.

Dennis Hopper (1936 – 2010)

(Born to be wild, de Steppenwolf, un himno para más de una generación)
(1) Dedicado especialmente a mis amigos de Algeciras Chapú Band, con afecto.Rock and Roll!

Alberto Martini, Ilustración para un cuento de Edgar Allan Poe.

La adhesión de Alberto MARTINI (1876-1954) a la atmósfera simbolista y decadente se evidencia en una amplia gama de acentos expresivos y de motivos que van desde lo macabro a lo grotesco, pasando por el misticismo lírico; del erotismo a la sátira, componiendo un universo fantasmagórico. Junto a Alberto Savinio, hermano de Giorgio de Chirico, Martini  es uno de los pocos artistas italianos que ha explorado con convicción lo más profundo del universo fantástico, y su obra puede equipararse a las de  Odilon Redon, Alfred Kubin o Aubrey Beardsley. Éstas primeras ilustraciones que les mostramos pertenecen a una serie relacionada con las Historias de Misterio e Imaginación de Edgar Allan Poe, y las encontramos en el memorable y clausurado blog Giornale Nuovo. Alberto Martini fue autor de una estimable producción de estampas de caracter mórbido, ilustraciones, magníficos dibujos y una considerable obra gráfica. Con un marcado tono grotesco y macabro, su trabajo se nos antoja más próximo a la imaginería germana expresionista que a la luminosidad del arte italiano.

Ilustración para El Cuervo, de Poe

Ilustración de Alberto Martini para El Corazón Revelador, de Poe

Así vio Martini la Berénice que imaginó el genio torturado de Edgar Poe

Alberto Martini, fue pintor, grabador, litógrafo, ilustrador y diseñador gráfico, especializado en  ex-libris y cartas de visita. Su formación inicial corrió a cargo de su padre Giorgio, profesor del Instituto Técnico de Treviso, que le hizo copiar a los grandes maestros, una práctica muy habitual en la época y que aún contínua dando su fruto como parte de la formación artística académica. En 1897, contando sólo veintún años, expuso por vez primera en la Bienal de Venecia su ciclo de dibujos “La corte de los milagros”, inspirados en “Notre Dame de Paris” de Victor Hugo, también un consumado dibujante de talento.

(Imágenes de Alberto Martini para su Danza macabra europea, compuesta de 36 litografías a color) Verona, 1915-18

(Patriotismo y La Conferencia de Paz, dos estampas más de la serie La Danza Macabra europea, de Alberto Martini)

(Un óleo de Alberto Martini)

(1) Otra pequeña muestra de la obra de Martini, aquí.

(2) La Danza Macabra Europea, de Alberto Martini, en esta página.

Frank FRAZETTA (February 9, 1928 – May 10, 2010)

Otro grande que nos deja este año fatídico; el dibujante e ilustrador nortemericano Frank Frazetta, cuyo trabajo para el género de la fantasía y la ciencia ficción son sobradamente conocidos por todos los aficionados del cómic, mundo en el que se erige como un auténtico gran maestro. Sus excelentes obras han sido fuente de inspiración, y hasta de plagio, de toda una pléyade de dibujantes durante décadas, desde Boris Vallejo, Jeff Jones, Bisley , Suydam, Neal Adams, o el mismísimo Richard Corben, todos ellos admiradores de su obra en mayor o menor medida; algunas de sus mejores piezas han alcanzado en el mercado valores cercanos al millón de dólares. Posiblemente, este formidable artista ha sido quien mejor ha recreado la magia de Conan, el célebre personaje de Robert T. Howard,  o al menos, quien ha fijado para el personaje sus rasgos típicos, más allá de la visión original de su creador literario. Aún recordamos con reverencial temor la primera vez que nos encontramos con alguna de sus fabulosas ilustraciones que ornaban la cubierta de un vetusto tebeo de horror, como el Vampus, o el Creepy, cuyas portadas ocuparon los dibujos de Frazetta en no pocas ocasiones. El legado gigantesco de Frazetta pertenece ya por derecho propio a la historia de la cultura de nuestro siglo veinte, y rogaremos para que el recuerdo de este increíble creador de imágenes, uno de lós más influyentes en su género,  perdure intacto para las generaciones venideras.  

Dibujos de Frazetta para diversas ediciones de Conan. Imagen: GoldenAgeComicBook

Conan, visto magistralmente por el genial Frazetta

(Otra ilustración para Conan, de Frazetta. Imagen: Golden Abe of Comic Book)

Su carrera, que comenzó dando sus primeros pasos como dibujante publicitario, ha estado vinculada durante mucho tiempo a la editorial Warren, y al cómic de horror y fantasía, género en el que comenzó a destacar sobremanera, y por el que alcanzó su merecida fama. Sus espectaculares creaciones, técnicamente impecables, de empaque pictórico,  han ilustrado innúmeras portadas de libros, carteles de cine, magazines especializados,  o cubiertas de discos.

(El dominio de la anatomía y el clarouscuro del artista daba  a sus monstruos un verismo y credibilidad poco comunes)

(La primera ilustración que recordamos haber visto del genial autor, a principios de los ochenta, o quizá antes)

(El hombre, visto por sí mismo en su época de esplendor personal y profesional)

-Fuentes y vínculos–

(1) Nuestro post anterior sobre Frazetta con un enlace a una página donde encontrarán buena parte de sus fantásiticas ilustraciones.

(2) La entrada de Wikipedia, con una biografía y una selección de sus obras más representativas.

(3) La página de un fan de  Frank Frazetta, con una extensa muestra de sus trabajos, desde los menos conocidos para el ámbito publicitario hasta los más populares.

(4) Más ilustraciones de Frazetta en Monster Brains.

(5) Casi cien ilustraciones de Frazetta, por cortesía de Patapalo,  en Taringa!

(Un pequeño plagio de las figuras de Frazetta en esta cubierta para le edición española de El libro de lo Inexplicable, de Jacques Bergier, de la inolvidable serie Realismo Fantástico (4), que bien merece una entrada en nuestra bitácora)

Amigo: acaba de resolverte

sin guardar más razones,

nada vale dilaciones

para la hora de la muerte.

Fragmento de La Portentosa vida de la muerte

Selva Herández, que mantiene una exquisita blog en torno al libro y sus maravillas, nos recomienda una edición en facsímil de un curioso volumen llamado La portentosa vida de la muerte de Fray Joaquín Bolaños cuyas ilustraciones, muy expresivas y cercanas al carácter naive de las representaciones populares de la lotería mexicana,  les presentamos seguidamente. Estas imágenes  fueron tomadas de la obra original para la edición de  La muerte en el impreso mexicano de Mercurio López Casillas (RM, México, 2008), y fue usada como catálogo y como apoyo para la investigación que se desarrollaría para organizar la exposición La Muerte, el  Espejo que no te Engaña.

La “Portentosa Vida de la Muerte, Emperatriz de los sepulcros, Vengadora de los agravios del Altísimo, y muy señora de la humana naturaleza”; publicada en 1792, obra de Fray Joaquín Bolaños, “Predicador Apostólico del Colegio Seminario de Propaganda Fide de MARÍA Santísima de Guadalupe extramuros de la muy Noble y Leal Ciudad de Zacatecas en la Nueva Galicia, Examinador Sinodal del Obispado del Nuevo Reyno de León” es la última obra publicada en la Nueva España, y ha sido considerada un antecedente fundamental de la novela mexicana .(2)

Esta obra, tan rara todavía entonces, marca el punto de partida que terminará en José Guadalupe Posada. Aquí no hay nada que ver con la danza macabra: se trata de una muerte que se comporta como un ser humano en situaciones divertidas y cotidianas: es bebé en la cuna, da los primeros pasos de la mano de su abuela, se enamora, se casa, pelea, se deprime, discute, envejece y agoniza. Las estampas “se alejan por primera vez de los cánones típicos del grabado europeo e inauguraron un estilo mexicano” (3)

Diferentes ilustraciones de la Portentosa vida de la Muerte, en esta ocasión tomadas de una edición de inferior calidad.

Fuente: Morbid Anatomy.com

Fuente: Morbid Anatomy.com

(Una escena con los esponsales, oficiados por el Demonio,  de la Muerte con un médico)

Todas las imágenes de la edición de  1792 de La Portentosa Vida de la Muerte, son propiedad de Salvador Olguin; para una versión más detallada de las mismas les sugerimos acudir al post que la fantástica Morbid Anatomy consagró en su momento a este tema.

 -Fuentes y vínculos-

(1) Imágenes por cortesía de Selva Hernández, Doce Palabras: Diálogos con los muertos,

(2) Texto del capítulo X, de  La Portentosa vida de la Muerte, de Fray Joaquín Bolaños, con estudio, notas e introducción de Blanca López Mariscal (El Colegio de México, 1992. 1ª ed. Centro de estudios lingüísticos y literarios, Biblioteca Novohispana, II. Reproducción facsímil de 3 textos del manuscrito original, ilustraciones b/n. 407 págs. 4º).

(3) Fragmento tomado de Enríquez,Mariana: La muerte les sienta tan bien.

(4)) Una reseña sobre la obra comentada, de Eva Ayala Canseco, con un análisis somero de diversos aspectos de la misma.

( 5) Un estudio en profundidad sobre la obra aquí

(6) Más grabados y conetarios sobre La Portentosa Vida de la Muerte, en Morbid Anatomy.

Naufragio en el Ártico, de Caspar DAVID FRIEDRICH

Caspar David Friedrich  y  Richard Wagner van a ser, dado nuestro temperamento de raigambre romántica, referencias habituales de nuestra bitácora. El escultor David D´Angers dijo del primero, un artista extraordinario, injustamente olvidado durante casi cien años,  que había descubierto “la tragedia del paisaje“, y aunque sus creaciones y estilo se imbricaban en la corriente del Romanticismo alemán, sus obras tienen un halo de misterio más allá de las formas y una capacidad de evocación y tensión espiritual que sólo Friedrich era capaz de recrear de modo tan admirable. La Tragedia del Paisaje fue el título de una exposición antológica sobre el pintor alemán que en 1992 organizó el Museo del Prado y que, como tantas otros eventos que luego se revelaron fundamentales en nuestras vidas, no pudimos ver in situ, habiéndonos de conformar con adquirir el catálogo, que ya fue en sí mismo toda una revelación. Nuestra primera visión de las pinturas de Friedrich nos catapultaron a la experiencia de lo sublime, y nos embarcaron hacia un viaje maravilloso al corazón del espíritu romántico, en el que aún nos hallamos inmersos. 

 En el siguiente tutubo, aun cuando lamentamos la deplorable calidad de sus imágenes, que no hacen justicia a la diestra mano del genial pintor, hallarán la  guía infalible de la Marcha fúnebre de Sigfrido, de Richard Wagner, que les ayudará a disipar las nieblas iniciales de la duda y lanzarse sin ambages a este descubrimiento de la tragedia del paisaje y del espíritu del Romanticismo alemán,  abriendo para ustedes, de par en par,  las puertas de lo Sublime.

(Caspar David Fiedrich, pinturas. Música de Richard Wagner (Marcha fúnebre de Sigfrido, del Anillo del Nibelungo)

(1) Para una aproximación más honesta al arte de Caspar David Fiedrich, véase La Tragedia oculta del PAISAJE.

(2) De Richard Wagner, que es pulpa de otro saco, nos ocuparemos como Dios manda en otro momento (esperamos que así sea). El tema de Sigfrido y esta marcha fúnebre podrían ser sendos temas de estudio próximamente en nuestras páginas.