Carl LUDWIG KAAZ,    vista de la Villa Gassi cerca de Dresde, 1807

“No cuestiono mi ojo, 

como no cuestiono una ventana;

veo a través de ellos

y no con ellos”

William BLAKE 

“Todo lo visible, desde cierta distancia,  se torna poético: montañas lejanas, gente en la distancia, sucesos remotos: todo se vuelve romántico”. (1)  Con estos términos, el poeta alemán Novalis presagiaba la fascinación que ejercería uno de los asuntos más interesantes de las artes visuales, especialmente la pintura: la ventana abierta y el panorama sobre la inmensidad del paisaje. Una visión que se identifica, finalmente, con la mirada  del pintor y con él del propio espectador que participa asímismo de la contemplación de la obra. 

Con ejemplos tempranos del genio sublime y atormentado de Caspar David Friedrich, Gustav Carus y artistas afines, el motivo de la ventana  alcanza su apogeo hacia 1800 floreciendo con el Romanticismo, alcanzando el realismo con las pinturas de Adolf Menzel y perpetuándose, de modo intermitente, hasta nuestros días, donde aún aparece en los trabajos de maestros de la talla de Antonio López García,  que dedica toda una serie fantástica al tradicional Fensterbild, el género de la pintura de la ventana.

Antonio LÓPEZ GARCÍA, ventana por la tarde

 El simbolismo –y con él Odilon Redon– captó con acierto todo el misterio de la ventana; ésta es un óculo abierto en el muro del interior oscuro y cálido del estudio, que se abre, como el propio ojo del artista que, desde la intimidad del alma  a la inmensidad  luminosa y brillante del mundo exterior : “ El género de la pintura de ventana, o Fensterbild, alcanzó cierto desarrollo dentro de la llamada  Escuela de Dresde , la serie de pintores aglutinados por el espíritu de Caspar David Friedrich.  (3)

Caspar David Friedrich, vista desde el estudio, tinta sepia sobre papel

Odilon REDON, le jour (el día) litografía de su serie Les Réves (los sueños)

 Johann Christian Dahl, ventana

” Como amigo y discípulo de C.D.  Friedrich, J. C. Dahl se aproxima al tema de la ventana desde una perspectiva dual, es decir, formal y trascendente, al igual que el pintor de Greifswald lo hiciera en Mujer en la ventana. La ventana abierta, forzosamente similar a la del estudio de Friedrich, pues Dahl se había trasladado a su mismo edificio en 1823, ocupa la mayor parte de la composición. Al igual que el maestro, Dahl emplea la dualidad cromática de planos para reforzar la idea de separación entre mundos: la oscuridad inmediata del mundo del acá, y la claridad de la infinitud de la naturaleza más allá. La ausencia de suelo nos lleva directamente al exterior, en perspectiva forzada por las hojas de la ventana. A lo lejos, se alza el Castillo de Pillnitz, palacio de verano del rey Federico Augusto de Sajonia, tras el que se levantan las montañas de la llamada Suiza Sajona. Aunque su contenido simbólico es similar al de las obras de Friedrich, con esa neta distinción de mundos” (3)

Caspar David Friedrich, mujer en la ventana

Carl Gustav CARUS

 Constant MOYAUX, vista de Roma desde la habitación del artista en la Villa de Medici

Ventana del estudio, de Jacob Alt

-Fuentes y vínculos-

( 1) Rewald, Sabine, Rooms with a View, The Open window in the XIX century

(2) Casi todas las imágenes pertenecen al catálogo de la exposición Rooms with a View, en el Metropolitan de NY. Vean más aquí

(3) Diecinueve bellísimos cuadros con ventana

(4) Ventanas en la pintura, artículo de Artehistoria

(4) Algo más sobre el visionario, poeta, pintor, grabador y monstruo William Blake, aquí.

Las máscaras mortuorias son una de las tradiciones más añejas del mundo, difundida prácticamente por todo el orbe, desde Europa hasta Asia, pasando por el continente africano. De hecho, el género de la retratística parece proceder de una fórmula ancestral del culto a los antepasados, donde la imaginería funeraria pasaba por tener un papel ritual. Del mismo modo que en diversos ritos se solía rodear al cadáver de un ajuar funerario consistente en víveres, armas u otros objetos que pudiesen servir al muerto en su viaje al más allá, cubrir su rostro con una máscara parece corresponder a una creencia que buscaba garantizar al espíritu mayor fuerza y protección contra las fuerzas malignas del otro lado. 

Fabricadas con moldes de escayola u otros materiales similares, se reservaban en muchos casos, en nuestra época, a personajes ilustres. Al final de una vida ejemplar o relevante, los rasgos de ciertas figuras históricas han sido inmortalizados mediante la creación de una máscara realizada en su lecho de muerte. Constituyen una de las más genuinas e hipnóticas expresiones del memento mori y su existencia se ha constatado en épocas remotísimas, encontrando hermosos ejemplos en la cultura egipcia; bástenos recordar la célebre máscara de Tutankamon, un objeto de soberbia belleza rodeado del aura de la superstición y el horror sagrado que también emana de la tumba y la muerte. 

Estas máscaras que les mostramos las vimos  en el fenomenal blog Bizzarro Bazar, donde hay algunas más, acompañadas de un artículo de lo más jugoso.  Prometemos volver algún otro día, si los hados lo permiten, sobre el asunto nada baladí de la máscara y su complejo simbolismo.

Abraham LINCOLN

 Sir Isaac NEWTON

Alfred HICHTCOCK

(Alois SENEFELDER,maestro de la serendipia; buscando convertirse en mejor músico, descubrió accidentalmente la Litografía)

Dante Gabriel ROSETTI, poeta, pintor y dibujante y líder espiritual de los Prerrafaelitas

-Fuentes y vínculos-

(1) Máscaras mortuorias en Bizzarro Bazar

(2) Más máscaras funerarias de personajes ilustres, aquí y acá  

(3) Una pequeña mina sobre el tema: Undying Faces

(4) El filón de la mascara mortuoria: la colección de Laurence Hutton, aquí

(5) La asociación de los personajes ilustres cuyas máscaras figuran en el post no es del todo casual o azarosa, antes bien constituye una auténtico jeroglífico alambicado o paranoia silente, según prefieran. Para aquellos de ustedes que encuentren la clave de este abtruso acertijo, nuestras felicitaciones: tenemos adamás  reservado para el ganador  un extraordinario surtido de peladillas que nos sobraron de las pasadas fiestas. Hágannos saber su respuesta sin más dilación.

Paul RUMSEY, La prédica (sobre el discurso de los poderosos)

Reminiscencias de Goya, Roland Topor y Alfred Kubin, entre otros, se adivinan en el arte de Paul Rumsey  (1956 --  …) ; un hallazgo del todo fortuito  que quermos compartir con ustedes.  Su obra entronca con una tradición de lo grotesco y lo fantástico de la que encontramos numerosos representantes, de modo prácticamente ininterrumpido, desde la Edad Media, con las creaciones del Bosco, Brueguel, Hans Baldung Grien o Mathias Grünewald.  En el estilo de Rumsey también hallamos ecos de la iconografía del surrealismo e incluso de la sátira social de autores como W.Hoghart, aunque con un punto mucho más siniestro y ácido, cercano a esas visiones de pesadilla que lo emparentan con el universo romántico. En su obra estas influencias no siempre son sutiles; a menudo son obvios los homenajes a distintos artistas, corrientes y estilos. Se pueden contemplar en su trabajo  ”simbiosis bio-arquitectónicas, visiones paradójicas, escenarios oníricos, experiencias deformes… ” (2 ) y monstruos  y criaturas temibles en su ferocidad, o en su patetismo, que harían palidecer de envídia a los demonios soñados por un Rosso Fiorentino o un Füseli.

Paul Rumsey, Carried (una metáfora sobre nuestros gobernantes --todos sin excepción, desde hace milenios--)

Paul Rumsey, Danza macabra 

P.Rumsey, Ocean 

 Paul Rumsey, Procession

Paul Rumsey, Egypt

 Todas las imágenes son propiedad © de Paul RUMSEY

-Fuentes y vínculos-

(1) La página de Paul Rumsey

(2) Más obras de Rumsey en El Ojo de Sthendal

(3) Lo bello y lo grotesco en Art of Beautiful and Grotesque

 Juan Cabana, Envidia

La combinación  o yuxtaposición extravagante de diferentes esqueletos y restos  animales  para la fabricación de una criatura de pesadilla, bestia mítica o ejemplar bizarro, más propio de los delirios del Bosco, Füseli o Giger que de un tratado de zoología, ha sido un truco clásico de la taxidermia usado durante siglos. El artista Juan Cabana es un virtuoso en este aspecto; su singular obra da forma a fabulosos especímenes de justa fama en el pasado, como la sirena de Fidji, híbrido de pez, mono y ser humano. En tono claramente lovecraftiano, Cabana afirma “Siempre me atrajeron las criaturas extrañas. Más tarde me obsesioné con los relatos que informaban sobre sirenas y monstruos marinos, tal como los describen los marineros de todo el mundo. Creo que los seres humanos evolucionaron de un antepasado, aún por descubrir, que vivió en el mar. Hemos sido creados en un ambiente acuoso y nuestra sangre es como el agua salada” (n) .  Mención aparte merece su serie de monstruos inspirados en los siete pecados capitales. Pueden verla aquí.

Juan Cabana, Gula

Juan Cabana, Ira

La famosa sirena de Fidji, una fuente de inspiración segura para los trabajos de Juan Cabana

 -Fuentes y vínculos-

(1) Juan Cabana y sus curiosos bichos disecados, en Life After Death

(2)   La serie completa sobre los pecados capitales de Juan Cabana, aquí

(3) La taxidermia gana protagonismo en el arte contemporáneo tras las contribuciones de Damien Hirst. Véase.

John Hartley, Rubber Race Car, óleo/lienzo

En cualquier parte encuentra la pintura sus motivos.  John Hartley se aproxima con ojo certero  a los viejos juguetes y muñecos de hojalata y plástico que en lugar de su tradicional carga poética, tierna y evocadora de la infancia presentan, en los óleos del artista, un nuevo discurso más sugerente y de mayor rotundidad plástica. Los desenfoques, brillos y texturas, un uso inteligente del ruido visual justo, así como los encuadres abruptos, contribuyen poderosamente al realismo de algunas de sus mejores pinturas, que combinan, en palabras del propio Hartley, sus “dos pasiones: el arte y el coleccionismo, vinculando el pasado, presente y futuro mediante objetos inanimados, recuerdos y relaciones. Las figuras están iluminadas de un modo dramático, o deformadas intencionandamente para oscurecer una identificación segura, aunque continúen resultado vagamente familiares.”  Con su bendición –esperamos– les mostramos algunas de sus singulares obras. Encontrarán otros muchos ejemplos de su trabajo en su página personal.

Soldaditos de plomo en una pintura  de John Hartley

Sidecar, óleo de John Hartley

Jag, de John Hartley

(1) John Harltey,pinturas

Ningún siglo ha representado la mujer como vampiro o ente demoníaco y explorado a fondo su dimensión más oscura con tanta insistencia y de forma tan reiterada, programática y cruda como el siglo XIX. Bien lo saben los autores del fantástico Idols of Perversity, un libro excelente y bien documentado donde se estudia a fondo esta fijación de la corriente simbolista –especialmente– y de intelectuales y artistas de fin de siécle, en general, con el lado más siniestro de lo femenino.  Hacia 1900, la visión generalizada entre los hombres de ciencia, médicos y pintores, representantes de una cultura decadente y crepuscular, parecía entender que la dama que rechazaba el papel de la mujer hogareña – impuesto socialmente– pasivo y dócil, descendía inevitablemente hacia lo bestial o lo diabólico. El arte de esa época pasaba a representar a este tipo de mujer como un auténtico “ídolo de perversidad” ( ), enroscada como una serpiente, como belleza felina, monstruo, criatura enigmática o como una rara flor de maligna belleza.

Franz von Stuck, el Beso de la Esfinge. Óleo/lienzo

Una de las formas más clásicas de la encarnación decadentista  de este aspecto o vertiente sombría de la mujer es la Esfinge, que ha sido figurada a lo largo de los siglos como una figura agazapada o en reposo, con cabeza de león, aunque su aspecto sufriría variaciones según qué épocas. Monstruo liminar, custodio de las puertas de la ciudad de Tebas, sometía a los viajeros a complejos acertijos y devoraba a los que no superaban la prueba , que jamás podrían pasar a través de las puertas de la ciudad. En este episodio comprobamos claramente el parentesco simbólico de la esfinge con el monstruo andrófago, guardián del acceso al lugar sagrado; la asociación de la mujer, en ocasiones, con la detentora de secretos o poderes sobrenaturales, –Pandora, Eva– sobre todo en culturas primitivas o en la literatura griálica, pudiera constituir quizá un indicio de la vertiente más luminosa del simbolismo de la mujer como esfinge. Como suma de fuerzas contradictorias, la esfinge se erige como una figura misteriosa y fascinante cuya curiosidad atrae y paraliza al mismo tiempo, ejerciendo ese poderoso infljujo hipnótico que a menudo se atribuye a las serpientes. Se dice que los griegos llamaban a la esfinge la estranguladora; la explicación pudiera estar en el simbolismo de su función de abrir y cerrar puertas, umbrales o pasos liminares, verdaderas fauces de la muerte para aquellos que no superan la prueba; como las Simplégades, constituyen un emblema del paso angosto o peligroso, en cierto modo una estrechura que conduce sólo a los iniciados al recinto sagrado.

 Františec Bilek

Entre los artistas del simbolismo, la esfinge llegaría a ser un motivo recurrente, y la expresión más sublime, quizá, de la idea de la mujer como ídolo de perversidad, misterio, fuerza animal y caótica al mismo tiempo. En muchas de sus obras la esfinge se presenta ya como hembra lasciva, insaciable y vampirica, ya como madre devoradora; mostrando sus senos aparentemente dadores de vida  tras las mortíferas garras. La imagen de la esfinge también fue objeto de creaciones literarias de la época; los decadentistas encontraron en este monstruo un símbolo que encajaba perfectamente en su ideario, en todos sus aspectos: el exotismo de países lejanos y la antigüedad, el aroma de un misticismo evocado por los ritos de civilizaciones perdidas, el erotismo salvaje de una hembra monstruosa y hambrienta; el misterio de la existencia, la vida y la muerte. 

Abajo, František Drtikol , Cleopatra (esfinge)

Fernand Khnopff, la Esfinge. visto en Archivesphinx

 Esfinge, de Jan Toorop

 

(1) Idolos de perversidad , BRAM DIJKSTRA, DEBATE, 1993

(2) La dama de Corinto, en Viajes con mi tía 

(3) Monster Brains, Boleslas Biesgas

(4)  La esfinge de los decadentes, en Victorian Web  

(5) La mujer como encarnación del mal y …

(6) Constructing the decadent sphinx, en -Victorian Web

(7) La serpiente de Egipto …

(8)   La SPhinx decadente; topos et poetique de la transgression Lise Revo-Marzouk

Hannes BOK, cabalgando al dragón.  Corben antes de Corben.

El talento del dibujante Richard CORBEN es descomunal, como los atributos de uno de sus personajes mejor conocidos.  Estamos sin duda ante un  artista de verdadero genio creativo,  que ha alcanzado con su obra cotas de gran altura en el mundo del cómic.  Corben da muestras de un ingenio brillante e irregular —el que demuestran en muchos casos los  creadores que  más nos entusiasman–; de lo glorioso a lo desastroso. A   ratos  colosal en su manejo del dibujo y el pulso narrativo, dando muestras de un sobrado conocimiento de la anatomía humana que hacen de él un Miguel Ángel de los tebeos; en otras ocasiones desmañado y burdo, en su línea underground, con un trazo de torpe apariencia, pero sumamente expresivo. Su soberbio y personalísimo manejo del color   –que muchos han imitado y muy poco han conseguido emular– , así como un espectacular dominio de la composición y la planificación, han contribuído, entre otras cualidades, a definir su característico estilo y a encumbrarlo como uno de los más notables maestros de la historieta contemporánea. 

Hannes Bok, ilustración. Su  tratamiento del color y la forma de trabajar las rocas presagian el genuino -ahora no tanto- estilo de Richard Corben.

Cabría imaginarse que un talento semejante, tan auténtico, era producto de la generación espontánea, pero la realidad es que el propio Corben tiene sus influencias. Hay quienes señalaron entre ellas la obra de  Robert Crumb, próximo a la línea underground más ruda y temprana del artista; también nos parece que en el concepto del color y su intrincado método de trabajo Corben era deudor  del ilustrador y pintor Maxfield Parrish; pero todos estos indicios no son del todo concluyentes. Ahora, avispados internatutas (7) proclaman a Hannes Bok como uno de los más preclaros modelos y fuentes de inspiración seguras del estilo de Corben.  Hannes Bok era el pseudónimo de  Wayne Woodard (1914-1964), un notable  ilustrador y dibujante norteamericano, así como astrólogo, poeta y escritor de novelas pulp de ciencia ficción. Realizó más de ciento cincuenta portadas para diversas publicaciones de fantasía y ciencia ficción populares. Su esquema del color, con una paleta de tintes psicodélicos, su vigoroso modelado claroscurista y su tratamiento expresivo y potente de la figura humana son algunos de los más que obvios paralelismos con el estilo posterior de Corben. Juzguen ustedes mismos.

Hannes BOK, Ciudad Encantada. El esquema de color y el tratamiento compacto y escultórico de las formas presagian el estilo de Corben

-Fuentes y vínculos-

(1) Más que influencias, Hanes Bok y Richard Corben , en Corbenstyle

(2) La página personal de Rich Corben

(3) Álbum de ilustraciones de Hannes Bok en Flickr

(4) La biografía de Hannes Bok, el artista que inspiró a Corben, aquí

(5) Un montón de ilustraciones  Hannes Bok, en la inimitable Monster Brains

(6) El genio de Corben, al descubierto en Un Viaje a Nuncanaday el Blog de Razar

(7) Portadas en color de Hannes Bok, en los Humanoides Asociés, cuyo artífice, Jerry Frissen,  ha sido de los primeros en anotar el parecido entre Corben Y Bok.

(8) Más similitudes, en este caso entre Hannes Bok y M.C. Escher. Veánlas en Golden comics.

Vivimos en un tiempo donde una parte de la población siente que el fin de la civilización occidental, tal y como hoy la conocemos, está cerca. Acabamos de estrenar un nuevo año, 2012, propicio como pocos para agoreros de la catástrofe, milenaristas y apocalípticos de medio pelo, entre los que nos contamos –a ratos–.  No son pocos los que disponen de una teoría o una tesis conspirativa (4) , o varias, que para el caso es lo mismo, sobre el modo que el mundo se colapsará y en qué momento, día y hora, sucederá la hecatombe.  La red está repleta de especulaciones sobre el asunto del fin  ”Calendario Maya” y el año que nos ocupa. Sin poner ni quitar rey, les adelantamos algunas estampas del desolador panorama que, según unos y otros, se avecina. En algunas escenas no basta con la destrucción, el caos social, las plagas y la pestilencia. También llueve. Y tiene pinta de hacer frío. Qué fatalidad.

Encontramos estas y otras terribles imágenes post apocalípticas en este sitio de aquí. Pueden disfrutar de más visiones del espanto futurible,  rebelión de macacos incluida, en este otro sitio.

La libertad, pasada por agua en el nuevo mundo

Para el futuro, arena y más escombros en la planicie de Gizah. Nada nuevo bajo el sol.

-Fuentes y vínculos-

(1) El foro de las visones post apocalípticas

(2) Vean aquí las 10 más delirantes teorías sobre el fin del mundo

(3) Y para colmo, nos enteramos de que Fukushima esta creando monstruos mutantes. Qué triste panorama, amigos.

(4) Ahí va nuestra “apuesta” para la porra del 2012: Una invasión ruso-china de Europa (*)- enésima expresión de las hordas de Gog y Magog– vaticinada por el Stormberger y los profetas del bosque. O esta visión de Guénon, El fin de un mundo, que tampoco es moco de pavo.

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Unas palabras con Juan José Domínguez, un maestro del diorama.

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En la fiesta de la Epifanía de 2010, mantuvimos una distendida conversación con Juan José Domínguez Hidalgo, hombre sensible, genial artífice y consumado maestro del arte del diorama. Domínguez, discípulo del belenista Agustín Sarrate Vidal, cuenta en su haber con dos premios nacionales que ponen de manifiesto la calidad de su extraordinario trabajo: segundo premio nacional de dioramas Navidad 2000, tercer premio nacional de dioramas Navidad 2004, ambos otorgados por el ayuntamiento de Vélez Rubio -Almería-, gran foco de promoción de esta actividad. Seguidamente les ofrecemos algunos fragmentos de especial interés de nuestra charla con este artista.

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Juan José Dominguez Hidalgo nacido el 3 de septiembre de 1961, en Sevilla. Natural de Los Palacios y Villafranca, desde su infancia manifiesta un profundo interés por el belenismo, tarea a la que se dedica ininterrumpidamente desde hace dieciseis años, compartiendo esta actividad con su trabajo como carpintero profesional, labor que desarrolla desde hace también varios años.

Sus aficiones van desde la lectura o la pintura, a emplear su tiempo en actividades de ocio al aire libre, especialmente viajar y dar largos paseos, así como el turismo rural. Durante sus escapadas aprovecha para tomar nota sobre diversos elementos del paisaje y escenas cotidianas en cuyo recuerdo se inspira para componer algunos de sus dioramas, en los que este matiz de realismo y cotidianeidad es uno de los más singulares y característicos.

Juan José estima que el verdadero belenista nace, aunque luego estas condiciones van desarrollándose paralelamente a una formación técnica, que en su caso ha beneficiado notablemente su trabajo en la carpintería. En su caso, desde niño recuerda haberse implicado, en el seno familiar, en la preparación y montaje de belenes tradicionales, actividad para la que siempre ha tenido una cierta sensibilidad, que cree indispensable para todo buen belenista. En su juventud esta práctica del belenismo decae ligeramente, al diversificarse sus intereses durante la adolescencia, para ser retomada mucho mas tarde, en plena madurez. Es de nuevo en el seno familiar donde resurge este interés renovado por el belenismo, de la mano de su esposa, que le propone con ocasión de un curso de manualidades la elaboración de un“misterio” . El momento supuso la excusa perfecta para continuar con esta actividad que se revelaría más tarde fundamental en su vida y su trayectoria artística.

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A la cuestión sobre quiénes fueron sus maestros o si recibió algún tipo de formación especial como belenista, Juan J. Hidalgo hace especial mención del pintor y maestro del diorama Don Agustín Sarrate Vidal, un consumado belenista que de algún modo “revoluciona” el llamado estilo sevillano, con sus innovadoras técnicas procedentes de la escuela catalana, donde está mucho más arraigado el arte del belenismo desde hace siglos. Del mismo modo, abundando en elogios hacia su mencionado maestro, Hidalgo nos confía que sería el propio Sarrate el responsable de su compromiso definitivo con el arte del diorama, tras varios años de abandono.

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Según las consignas dadas por el maestro Sarrate, quien estuvo en contacto intermitente con la asociación de belenistas de Sevilla, Hidalgo comienza a enfocar la práctica del belén prestando una mayor atención al estudio de la perspectiva y su uso en la construcción de la estructura del diorama, así como en la aplicación de diversos recursos pictóricos y escenográficos que contribuyen poderosamente a amplificar la sensaciòn de espacialidad de la escena. En definitiva, los consejos del viejo maestro hacen que Hidalgo cambie profundamente su modo de concebir el Belén.

El estilo dentro del que podría encuadrarse la obra de Domínguez Hidalgo podría definirse como una fusión de los modos de hacer de la escuela catalana con la tradición más sobria del belenismo sevillano, quizá con una mayor suavidad del estilo catalán, más expresivo y colorista y menos naturalista en el tratamiento de las formas.

Al margen de la consabida repercusión que los consejos de su maestro Sarrate tuvieron en su trabajo, nuestro joven y avezado belenista procura mantenerse a cierta distancia de toda influencia durante su quehacer, buscando la mayor fidelidad posible a sus primeras impresiones e ideas sobre la obra. Sin embargo, es difícil para cualquier artista sustraerse del influjo de anteriores obras y estilos; Juan José dice sentirse próximo a  la velazqueña atmósfera claroscurista y en general, la pintura, es uno de los referentes visuales de su trabajo.

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Es España, el arte del diorama está especialmente arraigado en Cataluña, donde podemos señalar uno de sus focos más importantes, desde el cual esta práctica pareció extenderse por la piel de toro. En Andalucía existe una escuela de gran relieve en Jerez de la Frontera con un estilo característico, más florido que el de la escuela catalana. Aun así es una actividad poco conocida del gran público, restringiéndose a la esfera de los aficionados. Hidalgo destaca especialmente en el panorama del belenismo actual a Mestres y Angela Tripi.

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Las cualidades de un buen belenista, en opinión de Juan José, tienen más que ver con la sensibilidad y la fe cristiana que con cualesquiera habilidades técnicas; además estima necesarios un gran espíritu de superación y la voluntad de crear. A la hora de concebir un diorama pone especial énfasis en humanizar las escenas, intentando dar cierto verismo y autenticidad a las mismas, subrayando lo cotidiano, sin olvidar el trasfondo iconográfico y simbólico de los episodios representados. De su obra destaca especialmente el tratamiento del color y la luz, así como la interacción de las figuras que intervienen. Para ello trata de reproducir, con la mayor fidelidad posible, estampas y tipos populares observados durante sus frecuentes visitas a los pueblos del entorno.

Hidalgo necesita conocer al “cliente” para poder diseñar un diorama a su medida. Del mismo modo dice escoger sus proyectos en función del destino de los mismos; si le parece adecuado se embarca en la tarea. Así, actualmente, una de sus proyectos más queridos se centra en una serie de dioramas para el Museo Europeo del Belén, en Mollina, Antequera -Málga-. También acaricia la idea de representar diversos pasajes bíblicos, al margen de las escenas usuales de la Natividad con las técnicas del diorama.

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El la actualidad compagina su quehacer artístico con su labor profesional como carpintero,  que le ha ayudado notablemente a desarrollar su práctica del diorama. Nos manifiesta que “en la carpintería usamos mucho las manos y la cabeza“, en el sentido de que se agudiza el ingenio, le encantaría consagrarse a esta actividad a tiempo completo. Como quiera que sea su profesión no le supone un lastre en modo alguno, antes bien se considera un enamorado de su oficio y en cierto sentido un privilegiado, “yo soy un carpintero” -dice, subrayando respetuosamente sus coincidencias con el trabajo de Jesús-.

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Hemos visto la repercusión de la pintura en su obra; también refiere el artista que la escultura y la escenografía son dos disciplinas muy relacionadas con el arte del diorama. Todos los conceptos relativos al manejo de la luz, el volumen, los efectos espaciales y creación de atmósferas están de un modo u otro presentes en sus creaciones.  Su mayor reto no es precisamente técnico, es intentar plasmar lo que tiene en mente. Para ello emplea de modo magistral la iluminación, consiguiendo un ambiente o atmósfera especiales, de recogimiento y paz espiritual, a partir de los elementos más sencillos. La perspectiva y la construcción de un espacio ilusorio son fundamentales en la consecución de este objetivo. La exageración de las líneas de fuga, junto con un uso brillante de la degradación de los tonos contribuyen eficazmente a dar profundidad a las escenas.

Cuestionado sobre si es más interesante el efecto final de una composición que la precisión y delicadeza de sus detalles, Juan José sugiere que “todo es un conjunto” donde el impacto visual es superior al detalle, y el mensaje o discurso de lo representado más importante que los aspectos técnicos, por meritorios que estos sean, en una manifiesta sinergia de los elementos constituyentes. Sobre la cuestión de emplear elementos móviles en los dioramas se declara purista, no los utiliza, los considera meramente anecdóticos, incluso restan parte de carga espiritual a la composición.

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El diorama es una actividad costosa, tanto en horas de trabajo como en materiales y herramientas. Además de los útiles habituales de carpintería nos cuenta que en alguna ocasión ha llegado a idear herramientas específicas para lograr diversos efectos pictóricos. La mayor inversión la supone el empleo de figuras que en su mayor parte encarga a escultores, aunque en ocasiones ha modelado sus propias figuras. Todas las que aparecen en sus dioramas son de gran calidad, lo cual encarece el conjunto. Una buena planificación técnica sirve para abaratar los costes de todo el proceso, aunque paradójicamente no suele emplear bocetos debido a la visión que le proporciona su formación como carpintero; parte de una imagen mental sin necesidad de documentación gráfica, para plasmarla mediante ensayo y error.

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Para aquellos interesados en el noble y antiguo arte del belenismo el artista sugiere, más que aconseja, un recorrido por los muchos pueblos de la geografía andaluza en los que se sigue cultivando esta tradición con gran fortuna; también recomienda la lectura de la “Guía del belenismo” que se publica en Navidad, donde podrán encontrar numerosos ejemplos de los profesionales del género.

La función primordial de este arte, en palabras del autor, que se declara más próximo a lo católico que a lo meramente navideño, es la de humanizar y transmitir el espíritu cristiano, así como despertar sensaciones de calma, paz y recogimiento a los espectadores. No se puede iniciar la contemplación de sus obras sin que nos invite a sumergirnos, dentro de una cálida penunbra, en la atenta y paciente escucha de la música que al efecto, y con gran esmero, ha seleccionado en cada ocasión.

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- Notas, fuentes y vínculos -.

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(1) Damos fe de que las imágnes no hacen, ni de lejos, justicia a la experiencia que se vive al contemplar, en vivo e in situ, un diorama de Juan José. La increíble sensación de observar kilómetros de aire dentro de una caja de apenas 70 centímetros de profundidad, desgraciadamente, no queda reflejada en las fotografías que les mostramos. Aun así esperamos que puedan hacerse una leve idea.

(2) Las vistas seleccionadas corresponden a cuatro dioramas diferentes realizados por Domínguez Hidalgo entre los años 2008 y 2011.

(3) Además de la faceta mostrada, Juan José, es también pintor y poeta aficionado, con algunas muy respetables obras; artista y persona singular junto al cual es imposible no respirar paz y tranquilidad.

(4) Para los interesados en el noble arte del diorama, Juan José nos ha pedido que hagamos público su teléfono de contacto 607485587.

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Danza Macabra. Imagen Totentanz online. de

En la etapa más tardía del medievo la imagen de la Muerte se hace coincidir con la del cadáver,  como queda patente por ejemplo en el desarrollo de un tipo particular de escultura funeraria llamada Transi (  )  que presentaba la desintegración del cuerpo humano en todo su realismo y crudeza. En esa época de plaga y pestilencia, el esqueleto resulta  curiosamente “vivificado” en la práctica artística en todas sus facetas, ya sea representando a los difuntos en la “danza de los muertos“  ya sea a la propia Parca en el momento fatídico de llevarse consigo a los vivos, instante que figuran propiamente las Danzas Macabras,  alegorías de las que podemos encontrar variadísimas fórmulas iconográficas en bien diversos ámbitos y lugares, como “en los grabados del siglo XV de Huy Marchant, quien se podría decir es uno de los “padres” del genero, Konrad Witz, Hans Holbein y en infinidad de frescos que pululan las capillas y cementerios más antiguos de Francia, Suiza y Alemania.  Siendo la más famosa la obra -tristemente destruida- que se encontraba en laIglesia de los Santos Inocentes de París-.”  (2)  

También se hicieron en su momento réplicas talladas o esculpidas de las escenas contempladas en la Danza Macabra, como estos magníficos ejemplares que hemos encontrado aquí, donde podrán ver la serie completa acompañada de los versos y leyendas originales.  

 Esculturillas de terracota policromada con diversas escenas de la Danza de la muerte. Copiright © Storchenturm-museum.de

-Fuentes y vínculos-

(1) La mejor  página –posiblemente– sobre el tema de la Danza Macabra en la red: Totentanz online. de

(2) Fragmentos de texto extraídos de Danza Macabra /Anfrix

(3) La serie completa de esculturillas de la Danza Macabra, en Basler Totentanz Figurenverzeichnis

(4) Para un estudio sesudo y bien traído de la Danza de la muerte (en español) véase Ana Luisa Haindl U.