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Nacida el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México, Frida Kalo sufre a los 6 años las secuelas físicas de la poliomelitis, que la hace luchar por su vida e integridad emocional.

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(“La columna rota”, 1944).

Pertenece a la 1ª generación de mujeres que ingresa en la Preparatoria Nacional de México para estudiar medicina, entrando a formar parte de “Las Cachuchas”, donde da rienda suelta a su espíritu rebelde. Conoce ahí a su futuro marido, el conocido muralista Diego Rivera.

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(“El camión”, 1929).

En 1925 tuvo un accidente terrible que la dejó al borde de la muerte. Dio sus primeras pinceladas tumbada en la cama, con la ayuda de un espejo situado en el techo. Comenzó pintando los corsés que la tenían inmovilizada con las acuarelas de su padre.

“Pinto autorretratos porque estoy gran parte de mi tiempo sola, porque soy la persona a quien mejor conozco”

(“Autorretrato con traje de terciopelo”, 1926), (“Autorretrato con collar”, 1933)

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(“Autorretrato con collar de espinas”, 1940).

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Se dice que esta fue su última pintura, “Viva la vida” 1954, pero hay quien opina que el cuadro es anterior y días antes de morir Frida añadió al cuadro “Viva la vida – Frida Kahlo, Coyoacán 1954 – México”, como si de una despedida se tratase.

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“Viva la vida”, Coldplay.

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“YO NO PINTO SUEÑOS, PINTO MI REALIDAD”.

Fuentes y enlaces.

Sitio oficial.

Fans de Frida.

Ante la inminencia de nuestro viaje a tierras egipcias no podíamos menos que consagrar este pequeño post a la patria chica de los faraones, y lo hacemos con la ayuda de Jules Guerin, un fenomenal ilustrador, prácticamente desconocido por el gran público, que en su momento iluminó con sus magníficos pinceles un curioso volumen dedicado a Egipto, editado en 1908, cuya portada ofrecemos por gentileza de Beautiful Books.

Jules Guérin fue uno de los más célebres ilustradores americanos de principios de siglo XX. Cultivaría principalmente la ilustración de libro, pero también llevaría a cabo diferentes encargos públicos, como los murales del Lincoln Memorial en Washington. Su singular e inconfundible estilo, caracterizado por una gran delicadeza en el color y el diseño, influenciado por la corriente Art Nouveau, se emparejaba a un notable dominio del dibujo. A menudo sus imàgenes recuerdan poderosamente las xilografías japonesas, de las que poseen algunas de sus cualidades más abstractas, como el uso de bloques de color vivo o las rigurosas líneas compositivas.

(La cubierta del libro de R.Hichens con ilustraciones de Jules Guérin sobre Egipto y sus monumentos)

-Fuentes y vínculos-

100 Años de ilustración: más cosas de Jules Guérin

Algunas ilustraciones del Egipto de Guérin en Romantic Ruins

(Explicación del Mapa Histórico de Italia, de Girolamo Andrea Martignoni. Via Moonriver)

En esta casa nos fascinan los mapas: mapas antiguos, modernos, planisferios, portulanos, la cartografía celeste y cualquier diagrama que se acerque remotamente a esta maravillosa imaginería. Como este Map of Nowhere, del artista Grayson Perry, grabado en 2008, pero de claras reminiscencias medievales. Combina el dibujo del cuerpo del artista, en la línea de los hombres zodiacales del medievo y el primer Renacimiento, con el Mapa Mundi de Hereford. La composición está plagada de múltiples referencias y alusiones a diferentes episodios biográficos del propio artista, así como a diversos motivos sociales, políticos y económicos; algo así como una enciclopedia del mundo en toda su complejidad. Más muestras de dibujo y grabado contemporáneos en la recomendable Moon River

El Hombre zodiacal u Homo signorum fue usado en diagramas anatómicos desde la antigüedad al primer Renacimiento; para señalar las correspondencias o analogías entre los movimientos celestes y el cuerpo humano, que se suponía vinculado a los astros. El aspecto de estos diagramas recuerda en muchos casos a los diagramas de la medicina tradicional extremo-oriental, con los que podrían establecerse algunos paralelismos. El Hombre Zodiacal tenía cada parte de su cuerpo ligada a un signo astrológico, que regía el funcionamiento del órgano o la zona corporal en cuestión; dicho signo astrológico estaba a su vez asociado a alguno de los humores corporales así como a la temperatura. Este diagrama del hombre vinculado a los astros estuvo muy extendido en su época.

Fantástica colección de enlaces, prácticamente inagotables, con cientos de páginas sobre la obra de diversos pintores e ilustradores, todos ellos representantes del realismo y la figuración contemporánea. La labor de documentación  por parte del artífice de Artodyssey es francamente impresionante; la selección de pintores , sin embargo, de interés desigual. La música de fondo de la página, excesiva y a menudo molesta (1); la carga de las imágenes, el scroll y la navegación muy lentas y de escaso valor visual; la calidad de las imágenes reproducidas, pasable. Por lo demás, un sitio admirable y una visita obligada para todo aficionado a la buena pintura, para añadir a nuestros favoritos. Necesitarán cientos de horas para poder entrever la magnitud del trabajo condensado en los fondos de Artodyssey. Nuestra sincera enhorabuena a su autor.

(Cristobal TORAL, maletas, óleo sobre lienzo)

(Carlos Vega Faundez)

(1) Menos suave y eufemístico, pero más correcto y atinado sería decir de esta música que es un auténtico tostón.

Los espectaculares montajes fotográficos de Sam Van Olffen, entre un futuro rabiosamente tecnológico y un pasado neblinoso de atmósfera vintage.

 (Túnel de misterio, tal vez un túnel del tiempo )

(Organista)

(Santa Robota, de Van Olffen, evocación de la María  de Metrópolis, recuerdo de  la novia de Frankenstein y prefiguración de la Mujer Escarlata del Apocalipsis)

Charles Le Brun  (1619-1690) primer pintor del rey Luis XIV, fundador de la Academia Real de Pintura y Escultura, y el más importante defensor del clasicismo. En 1671 presentó en la Academia su célebre tratado sobre la Physiognomica que contemplaba “las diversas demostraciones dibujadas, sea de cabezas de animales, o bien de hombres, subrayando en ellas las características que definen su inclinación natural”  (“…toutes les diverses démonstrations qu’il en a dessinées, soit de têtes d’animaux, soit de celles des hommes, faisant remarquer les signes qui marquent leur inclination naturelle”). Aquí les mostramos algunas de las curiosas imágenes que componían el volumen de Le Brun. Más ilustraciones de la serie aquí.

Le Système de Lebrun sur la Physionomie 

Dissertation sur un Traité de Charles Lebrun concernant le
Rapport de la Physionomie Humaine avec Celle des Animaux
Paris, Chalcographie du Musée Napoléon, 1806

(Todas las imágenes pertenecen a Les Maitres des Arts Graphiques)

Frontispicio de la obra de Nicéron, Jean François
La perspective curieuse Avec L’optique et la catoptrique du R. P. Mersenne, 1663. (1) 

En un estudio sobre la obra escrita del sacerdote padre Jean-Francois Niceron, Les perspectives curieuses, nos enseñan los motivos por los cuales la pintura, asociándose a los últimos descubrimientos científicos y técnicos de su época –el desarrollo de la óptica y la cámara oscura– experimentó una verdadera revolución que la hizo pasar del mundo primitivo y caótico de la efigie al universo cerrado y sistemático de la construcción técnica. (2) El libro de Jean-François Niceron, Les Perspectives Curieuses ou magie artificielle des effets merveilleux, se abre con un elogio de las ciencias aplicadas, reclamando la posición de Arquímedes, que buscaba la perfección y el desarrollo de las ciencias en su vertiente de aplicación técnica.  

En la época de la publicación de esta obra –cuando el padre Niceron publica sus Perspectives curieuses en 1638, Descartes acaba de dar a la imprenta sus tratados sobre  Dioptrique y Géométrie–  asistimos al avance en el campo de la óptica, ciencia práctica que se fundamentaba en los axiomas de la geometría euclidiana, lo cual permitiría que la ilusión de la percepción pudiera  por fin llegar a ser comprensible y reproducible con la ayuda de medios y procesos técnicos. 

Si la pintura en tanto reina de las artes podía ser catalogada según la descripción de Platón como “el arte del simulacro”, la anamorfosis tal como la describía y la practicaba el padre Niceron, no podía sin embargo dejarse ubicar tan fácilmente en una categoría semejante. Porque la anamorfosis, revistiendo un aspecto científico y puramente técnico, es el lugar donde la óptica se revela a sí misma como verdadero arte del simulacro. 

(El uso virtuoso de la perspectiva ilusionista del pintor Andrea Pozzo)

La anamorfosis, a la que se dedica en parte el libro de Niceron, consiste en crear un imagen deformada que visualmente puede reintergrarse en un conjunto coherente desde un punto de vista fijo preestablecido. Es un procedimiento relacionado con la perspectiva, que se considera generalmente, en la historia del arte, como un factor de realismo en cuento restituye la tercera dimensión a la bidimensionalidad del plano del cuadro. Es ante todo un artificio que puede servir a este y otros fines encaminados principalmente a aportar este matiz de ilusionismo a la obra pintada o dibujada, pero también  tiene una vertiente que permite explorar el lado fantástico o aberrante de las cosas, consiguiendo elaborar imágenes deformadas o expresivas, tal y como hicieron por ejemplo los surrealistas, muy interesados por los juegos de perspectiva y las anamorfosis. (3) 

(Un clásico ejemplo de anamorfosis cilíndrica; el circulo delimita el área donde ha de colocarse el espejo para reintegrar la imagen deformada)

Desde la antigüedad se conocen los rudimentos de estos juegos perspectivos, a los que los artistas se entregaban con curiosidad. En la China de la dinastía Ming, entre los siglos XIV y XVII, se cuentan algunos ejemplos de anamorfosis. La mecánica de esta última fue ya descrita en los estudios de Piero della Francesca sobre perspectiva. Se sabe igualmente que Leonardo de Vinci  experimentó con esta técnica, y es conocido su dibujo en anamorfosis del ojo y el rostro de un niño, conservado en el Códice Atlántico (1485); Alberto Durero también dedicó tiempo y esfuerzo a investigar la temática de la perspectiva y la utilización de diversos instrumentos y aparatos para el dibujo, como se desprende de muchos de sus grabados y sobre todo de sus sesudos tratados sobre el estudio de la proporción y la geometría.

(Alberto Durero y sus ingenios para dibujar)

Pero habría que espear al desarrollo de la óptica, como mencionamos, para que la técnica de la anamorfosis alcanzara su punto más importante. Posiblemente, el mejor y más interesante ejemplo del uso de este procedimiento en la historia de la pintura sea la tela de Hans Holbein el Joven llamada Los Embajadores (1533) conservada en la National Gallery de Londres. O al menos, a nosotros nos lo parece. Y esto por varias razones que explicaremos seguidamente.

  Los Embajadores, de Hans Holbein el Joven (1533), National Gallery, Londres. 

Al margen de su incuestionable calidad como obra pictórica, que marca un hito en el género del retrato, y además de constituir un verdadero tour de force del virtuosismo técnico en la representación realista de texturas y objetos, este  cuadro de  Hans Holbein es aún más interesante porque esconde una imagen oculta, únicamente conocida por quien es capaz de descubrirla bajo una atenta mirada. Se trata de un objeto singular, de extraña morfología, que flota a ras del suelo, delante de los personajes retratados, ocupando buena parte de la escena: es la anamorfosis directa de un cráneo que se puede reconstituir a medida que el espectador se acerca prácticamente a la superficie del cuadro, mirando hacia la izquierda. Un halo de misterio y de solemnidad envuelve la escena hasta en sus mínimos detalles.

El secreto de este cuadro fascinante de increíble realismo, que mantiene un parentesco directo con las vanitas  o la tradición medieval  del memento mori, en el que  desde los dos personajes extrañamente inmóviles,  todo lo que se muestra allí parece reflejar la vanidad de las artes y las ciencias – de cualquier actividad o empresa humana, en suma–,  el secreto de este cuadro, decimos, se revela en el momento en que, alejándonos tan solo un poco, aprehendemos el significado de este enigmático objeto suspendido entre las figuras de los embajadores: una calavera, que nos refleja nuestra propia nada: vanitas.

 (La imagen reconstruída ópticamente del cráneo “escondido” en el cuadro de Holbein) 

Hasta aquí algún que otro ejemplo de la anamorfosis directa; hay también otras formas de anamorfosis, donde juega un papel relevante el uso de espejos cónicos o cilíndricos que se interponen ente la mirada y la pintura deformada que, finalmente, entrega su secreto al observador perspicaz. A este segundo tipo pertenecen estas otras imágenes que, recogidas aquí y allá, les presentamos. 

 (Un retrato anamórfico de Carlos de Inglaterra, a modo de memento mori)

(Anamorfosis cilíndricas del artista Istvan Orostz) 

 (Imagen anamórfica de Istvan Orostz

(Otro bello ejemplo de anamorfosis cilíndrica de Istvan Orostz)

(La magia de la anamorfosis descubierta en esta instantánea)

 (Más ejemplos de anamorfosis catóptricas)

(Esta escena dantesca es una muestra del virtuosismo de algunos artistas callejeros como Julian Beever en el arte de la anamorfosis)

  (Un gif animado que muestra la imagen deformada y su reconstrucción visual desde un punto donde el efecto ilusiorio es completo)

-Fuentes y vínculos-

(1) Para un acceso a la obra completa, ver Les Biblioteques Virtuelles, Les perspectives curieuses ou magie artificielle des effets merveilleux 

(2) Etude d’un portrait en anamorphose de Jacques d’Auzoles par le père J-F Niceron(3) Tomado de  Baltrusaitis, Jurgis, Anamorphoses, ou Thaumaturgis opticus, Editorial Flammarion. 

(3)Anamorfosis de este artista en esta dirección,Istvan Orostz.

(4) Un pequeño artículo con más detalles sobre el cuadro Los Embajadores, de Holbein. 

(5) Más anamorfosis, sus diversas variantes y explicaciones y ejemplos de cada una de ellas, en Ilusionario.

(6) Los asombrosos  trabajos del artista de la anamorfosis  Kurt Wenner

The Rime of the Ancient Mariner por Gustave Doré (Jonnard, grabador)

HIELO POR TODAS PARTES

Tiempo ha que se han reconocido y señalado  paralelismos entre las obras de Edgar Allan Poe y Samuel Taylor Coleridge, si bien las asombrosas concomitancias tanto en la temática como en numerosos aspectos puntuales de “Un Descenso al Maëlstrom” (A descent into the Maleström) de Poe, y La Balada del viejo marinero” (Rime of the Ancient Mariner) de Coleridge, no han sido aún debidamente subrayadas.  Tal vez estas similitudes han sido obviadas porque el relato de Edgar Poe ha sido rápidamente catalogado como una sencilla ilustración de su doctrina del “efecto único“  o como un ejemplo elaborado de su proverbial habilidad para incorporar la temática científica a una historia de aventura y misterio. Como quiera que sea, el reconocimiento de los valores morales y espirituales del relato en cuestión no han sido justamente comprendidos. “Un descenso en el Maelström”, así como participa de idéntica atmósfera y argumento que “La balada del Viejo marinero”, así también coincide en la cuestión de la trascendencia espiritual. (1)

En el nivel más evidente, ambas composiciones, el Descenso y The Rime…, son historias sobre el mar y sobre el viaje; sobre un viaje en particular en el cual el horror y la fascinación exceden el de cualquier otra narración existente. Ambas son, de hecho, narraciones de un viaje arquetípico, cuyo significado para los participantes del mismo entronca con el sentido mismo de la existencia. Habiendo sobrevivido a tan catastrófica navegación, los marineros adquieren una extraordinaria habilidad para penetrar los misterios de la vida en cuanto ellos mismos han sufrido tan de cerca la experiencia de la muerte, llegando hasta la zona limítrofe de la disolución y el caos, y habiendo sobrevivido; llegando así a convertirse en profetas o videntes cuya misión será siempre llevar a los otros las verdades que les han sido reveladas por tan increíbles vivencias.

Ambas creaciones presentan también similitudes en su estilo narrativo, pues el relato de esas aventuras es contado de primera mano por el único superviviente de tan terrible viaje. Al igual que el viejo marino de Coleridge, el lobo de mar de Poe en el “Descenso en el Maelström” parece también obligado a contar su historia, como catársis individual y como intento –de afán evangelizador– de legar a otros la verdad que han descubierto.

Asímismo, en el cuento de Poe y el poema de Coleridge, los medios a través de los cuales los marinos logran la salvación final incluyen devolver a su curso natural las fuerzas que previamente habían sido invertidas. Los protagonistas alcanzarán la redención muy cerca de un estado límbico entre la vida y la muerte, donde percibirán la belleza en medio delambiente de degradación y  corrupción que los rodea.

Los seguidores de la doctrina de la Tierra Hueca encontrarán quizá en estos relatos ecos lejanos de la teoría del mundo interior, cuya entrada se fijaba en la proximidad de los Polos; en el caso del Descenso al Maelström, la imagen evocadora es la de un vórtice gigantesco que recuerda la entrada al mundo subterráneo, metáfora aquí del Abismo o quizá de algo peor; en el poema de Coleridge, el recuerdo de la dotrina del inframundo viene de la mano del viaje del navío a la  Antártida, donde comienzan las calamidades y los horrores para los tripulantes que se acercan a la ominosa frontera marcada por los hielos. Una vez más, el sempiterno símbolo del Polo como antesala de este tártaro, infierno glacial o mundo subterráneo.

Dadas estas y otras similitudes, no es descabellado pensar que diversos pasajes del poema de Coleridge sirvieron de germen para que el torturado genio de  Edgar Poe posteriormente pudiera concebir uno de sus más oscuros y complejos relatos.   

 (Ilustración de Harry Clarke para un Descenso al Maelström, de Poe)

(Bernie Wrigthson ilustra de este modo el relato de Poe)

The Rime of the Ancient Mariner es el poema más largo en lengua inglesa, escrito por  Samuel Taylor Coleridge en 1797-1799 .  Gustave Dore, uno de los mejores ilustradores de todos los tiempos, se ocuparía de traducir en imágenes la obra de Coleridge  con la serie de estampas a la que pertenecen las pocas que reproducimos bajo estas líneas.  

 (Grabados de Gustave Doré para The Rime of the Ancient Mariner, de S.T.Coleridge)

(Así nos cuentan los Iron Maiden la historia de Samuel Taylor Coleridge)

(1)  Traducción libérrima a partir de  J. YONCE, Margaret, The Spiritual Descent into the Maelström: a debt to the “Rime of the Ancient Mariner“, Univiersity of South Carolina

(2) Todas las ilustraciones de Gustave Dore para The Rime of the Ancient Mariner, de Coleridge

(3) Bernie Wrightson ilustra un Descenso al Maelström y otras grandes historias de Poe, en este blog del Cine de Terror  Clásico

Ya era hora que desde Trantor rindiésemos homenaje a este genio. No es la primera vez, ni va a ser la última, que viajando con nuestra tía utilizamos las inmediatas imágenes de Maurits Cornelis Escher para ilustrar algún concepto científico-matemático. Pero ahora queremos citarlo no como ejemplo sino como guest star.

Recordemos que nuestra devoción por él obedece no sólo a su innegable talento artístico, sino también a la profunda intuición de conceptos matemáticos complejos, reflejados en una imagen más explícitamente que en miles de palabras o formulaciones (y ya hemos dicho en anteriores ocasiones que a esto se añade el mérito de carecer casi por completo de formación matemática). Trabajaba sin descanso, boceto tras boceto, hasta dar con la imagen que plasmaba de un modo más directo y rotundo aquello que quería transmitir.

Basándonos en el libro “El espejo mágico de M. C. Escher”, de Bruno Ernst, distinguiremos los tres campos matemáticos por los que transitó Maurits Cornelis en su viaje de exploración.

1. La estructura del espacio.

En este campo pasará de estudios paisajísticos, con interés más centrado en lo estructural que en lo pintoresco, a la síntesis de espacios diferentes interpenetrados, acabando con figuras estrictamente matemáticas, dado el gran interés de Escher por los cristales (su hermano, geólogo, escribió un tratado de cristalografía).

1.1. Paisajes.:

(Castrovalva).

(El puente).

1.2. Compenetración de mundos:

(Tres mundos).

(Mano con esfera reflectante).

1.3. Cuerpos matemáticos extraños:

(Estrellas).

(Gravitación).

(Orden y caos).

2. La estructura de la superficie.

Una visita a la Alhambra de Granada le causó tal fascinación por la partición regular de la superficie que nunca más pudo desembarazarse de esta “obsesión”. Llegó a inventar un método de partición propio, motivo de admiración de los eruditos en la materia. Escher empleará estas particiones en sus obras de metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.

2.1. Metamorfosis:

(Día y noche).

(Metamorfosis II).

2.2. Ciclos:

(Reptiles).

(El espejo mágico).

2.3. Aproximaciones al infinito:

(Límite circular III).

(Galería de grabados).

3. La proyección del espacio tridimensional en la superficie plana.

El conflicto existente al tener que representar objetos de tres dimensiones en superficies de dos lo expresó Escher en una serie de dibujos, algunos de objetos imposibles. También hizo una reformulación de las leyes de la perspectiva, lo que le condujo a su “perspectiva cilíndrica”.

3.1. Representación pictórica:

(Dragón).

(Manos dibujando).

3.2. Perspectiva:  

(Arriba y abajo).

 (Cubo de escalera).

3.3. Figuras imposibles:

(Cascada).

(Escaleras arriba y escaleras abajo).

Terminaremos con algunas animaciones.  La primera, una recreación humorística de “Escaleras arriba y escaleras abajo”. 

La segunda de ellas del genial Cristóbal Vila, garantía de calidad (no es la primera vez que hacemos uso de sus fantásticos trabajos), basada en la obra Serpientes. Pongan el video a pantalla completa y disfruten de la HD que les ofrecemos.

(Snakes).

Nuestro mayor agradecimiento a este “mostro” de la naturaleza por las horas de asombro y deleite que nos ha proporcionado. Va por usted, maestro.

Fuentes y vínculos.

(Imagen propiedad de The Collective Picture)

Es sorprendente lo que las fotografías antiguas pueden transmirtir, además de su incuestionable valor documental y su efecto directo en la reflexión profunda sobre el paso del tiempo y sus consecuencias; en The Collective Picture encontrarán cientos de fotos antiguas, de gran calidad técnica y a menudo idéntico poder expresivo, que sin duda les transportarán a mundos recónditos cuya existencia apenas sospechaban. Buen viaje.