VIDA Y MILAGROS

Demasiado azul

azurro-copla

La canción del verano, tanto para inaugurar su inminente llegada, festejar el esplendor de la canícula en su apogeo o, tristemente, llorar su final (véase, verbigratia, el Duo Dinámico)  podría ser una categoría dignísima de ser tratada en este blog, en tanto modalidad musical juzgada a menudo con cierto menosprecio pero que cuenta entre las más reverenciadas por nuestra tía.

Como quiera que sea, aprovechamos la idoneidad del asunto para glosar aunque sea mínimamente las excelencias de este género y con él a uno de sus más ínclitos representantes, el gran Adriano Celentano, adalid del roquerito fresquito y prohombre icónico de los setenta y los ochenta, ídolo del celuloide, caricato y showman genial, cuya vida y milagros quizá tengamos ocasión de glosar como conviene a su enorme talento.

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Aunque para la mayoría, por motivos obvios, el verano es el rey de las estaciones y ese tiempo precioso para la dulce holganza y entregarse al vicio sagrado del otium, hay honrosas excepciones para quienes, en general, este tórrido período estival resulta excesivo y demasiado azul, como parece ocurrirle al protagonista de este himno veraniego cuya letra y título Azzurro -distintivo por otra parte de la cuna italiana de la melodía-  parecen sugerir.

Arriba, dos muestras del desparpajo de Adriano en sendas interpretaciones del tema Azzurro

Esta copla  es efectivamente  un brillante ejercicio de italianidad de la mano del versátil  Adriano Celentano. Compuesta por Paolo Conte y articulada por Vito Pallavicini,  ” ha sido utilizada en tantas ocasiones durante acontecimientos deportivos o culturales que ya puede ser considerado un segundo himno del país de la bota. (1) 

 

 La canción, siendo magnífica como es, soporta ene versiones, como ésta que mostramos, sin perder un ápice de su aroma festivo y estival 

Abajo, interpretada por su propio compositor, y en el tempo correcto (suponemos) que nos evoca el dinamismo del tren al que se refiere la letra y, no digamos, la fugacidad del verano y del tiempo mismo .

‘Azzurro’ (Azul) fue grabada por el músico milanés en 1968, y desde entonces no ha dejado de sonar a lo largo de toda la geografía mundial, convirtiéndose en un adagio para quienes soñaban con gozar cada madrugada con la flor de la pasión (…) “ Es un tema realmente difícil de encajar en cualquier género y en eso radica precisamente parte de su encanto: ”  (1)  No es rock, tampoco es una balada, ni siquiera una pachanga festiva (género que defiende con ahínco y maestría el incombustible Georgie Dann) ” (…) es más bien una singular miscelánea de géneros que ” que desembocó en un éxito extraordinario degustado por generación tras generación.

 

azurro2 azurro

Una melodía “ de aires napolitanos,  pegadiza a más no poder y que  permite tararearla sin excesivas dificultades”  -incluso en la ducha, como conviene precisamente a cualquier canción meritoria del repertorio del auténtico roquerito fresquito, lo que tal vez haya contríbuido también a asegurar su éxito y su pervivencia en la memoria colectiva durante décadas, luciendo hoy, aún, esa “tersura característica e inolvidable de la adolescencia”. 

Al margen de magnífica versión de Celentano, que por sí sola justificaría este post y que no admite competencia,  no nos resistimos a incluir sin embargo una enésima revisión de Azurro de aroma ibérico, para lo cual elegimos a Jaime Urrutia, roquerito fresquito por antonomasia,  que no le hace ascos a versionar un buen tema, aunque parezca relativamente alejado de su “estilo” habitual (¿Estilo? Eso es para los mediocres.)  Miren como Jaime Urrutia se atreve con desparpajo a interpretar y hacer suyo este himno.  Inevitable el ritmo de tanguillo  y la bandurria que en tantas ocasiones fuera marca de la casa en las mejores composiciones de Urrutia y sus drugos.

adriano

Con coplas como ésta, señores, uno desería que el azul fuese aún más intenso y de duración infinita, como los veranos del paraíso perdido de  la infancia. Pero para gustos, los colores. El nuestro es hoy, por supuesto, el azul. 

Notas, vínculos y fuentes

(1) Azzurro, la canción del verano

(2) Las cinco mejores coplas de la canción italiana

(3) Memorias de Adriano -Celentano-

(4) Las cincuenta mejores canciones del verano de la historia, según diversos eruditos e internautas cuyo nombre no recordamos ahora

MAC

Cuando Mac empieza a trabajar, el cartel cinematográfico está plenamente integrado dentro de la cadena de promoción de las películas. Del cartelista, que además de ilustrador, ejercía de diseñador gráfico, dependían otros elementos publicitarios como los programas de mano, los press books y las plumas (dibujos a una sola tinta expresamente hechos para su inserción en la prensa diaria). Mac destacó por la fuerza casi mineral de su trazo a la vez que dotaba a la composición de una especial sensibilidad. Para él, la disposición, la grafía, la forma y el color formaban un todo que no se podía separar. La obra de Mac es relevante porque, además de tocar todos los géneros, pudo liberarse de las encorsetadas prerrogativas de una época marcada por la dictadura y la censura.el-verdugo
Hay en estos carteles una gran variedad de estilos: dibujos en blanco y negro o en color, retratos, siluetas, tramados, montajes en los que priman los actores y las actrices, otros en los que se destaca algo del argumento o del espíritu de la película. En todos se respeta la máxima: “El mejor cartel es aquel que no cuenta toda la película”. Es el desafío de fijar el movimiento, de transformar el instante y el gesto en perpetuo y, tal vez, en un icono, en una referencia de una época.

los diez mandamientos f
En sus comienzos encontraba rutinario el diseño de los carteles, y quería darles un tratamiento más artístico, propio de la pintura. Mac es admirador de los grandes pintores, en especial de Fortuny y de Velázquez. Él, a su vez, también es pintor y, según sus propias palabras, el cartel es una pintura artística. Además considera que es importante reflejar el espíritu de la película, por lo que no le bastaba con copiar unas fotos de los protagonistas y, siempre que le era posible, no acometía su diseño hasta después de haber visto la película. Cuidaba, además del dibujo, de la composición e incluso de la disposición, forma y color de la grafía, ya que pensaba y piensa que esta forma un todo con el cartel.

nagana
Puesto que desempeñó su labor a lo largo de más de treinta años (su primer cartel firmado fue Nagana, en 1955, y el último, El placer de matar, realizado en 1988), a causa de la variación de las tendencias cartelísticas y, por supuesto, de su evolución personal, hay en su diseños una gran variedad de estilos. Así se puede observar un marcado cambio; en su primeras obras ofrecía un diseño más sencillo que luego, con el paso del tiempo, se va haciendo más abigarrado y barroco, y presenta un mayor abanico cromático.

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Mac, Macario Gómez,  nace un 8 de Marzo de 1.926 en la localidad catalana de Reus, a la que sus padres, desde hace poco, se han trasladado desde su Fraga natal, donde trabajaban de agricultores. Tras cumplir 2 años, muere su padre, dejando a la madre con 5 hijos en una situación muy difícil. Eso obliga a internar en la “Casa de la Caritat” de Reus a los dos más pequeños, uno de ellos, Mac, que cuenta con 5 años. Allí es donde empezará ya a mostrar su inquietud por el dibujo. Ese niño que prefiere dibujar con un palo en el suelo a jugar al fútbol con sus compañeros, llama la atención del personal del centro, que empiezan a adivinar las aptitudes del pequeño Macario para dibujar.

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Cuando a los 9 años, deja el internado, su tutor media para que pueda ingresar en la “Escola de Belles Arts”, en aquel momento, gratuita. Pero poco durará su estancia allí, ya que a los pocos meses, estalla la Guerra Civil, cortando de cuajo la vida cotidiana de cualquier ciudadano.
Cuando la guerra acaba, la situación es insostenible. Hambre y miseria vagan por todas partes, y hace que la madre tome de nuevo la dura decisión de la separación de su hijo, al que manda a vivir con su tío a un pequeño pueblo de la provincia de Girona. Allí, la vida del pequeño cambia radicalmente, y le permite vivir con una mínima dignidad durante los siguientes 5 años, tras los cuales regresará a vivir con su madre a Barcelona, donde ella ha conseguido un trabajo en una portería.

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En 1.946, ya con 20 años, Mac visita el Museo de Arte Moderno de Barcelona, y queda perturbado ante las obras más importantes de un paisano suyo: Fortuny. Pasa días enteros estudiando cada centímetro de esas obras que tanto le impactan, reforzando así, su vocación artística, tomando la decisión de retomar los estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Su dedicación no podrá ser demasiado abundante, ya que hay que suavizar la situación económica familiar y ponerse a trabajar.

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Una de sus hermanas va a hacer, sin saberlo, que el destino de Macario se ligue al mundo del cine ya para siempre. Ella trabaja en casa de una de las más importantes familias del sector de exhibición cinematográfica de la ciudad, la familia Castanyé. La mediación de su hermana, hará posible que Mac entre a trabajar en el estudio gráfico que se encarga de la decoración de las fachadas de los cines que regenta la familia. Un estudio especializado en los espectaculares murales que antiguamente anunciaban las películas. Se trata de Estudio Dominguez. Compagina, pues, el trabajo no muy satisfactorio en el estudio, de día, y los encargos que el Señor Castañé le hace, de noche en casa. Estos encargos son anuncios pluma para la publicidad de sus cines en la prensa. Un nuevo reto para Mac, ya que es un campo nunca explorado anteriormente, y que todo y que debe cursar el servicio militar, al ser en la misma ciudad donde es destinado, puede seguir trabajando igualmente.

american graffiti

Poco antes de acabar la mili, muere su madre y el joven Mac decide centrar todos sus esfuerzos en conseguir un trabajo que haga realidad sus sueños. Empieza a trabajar en publicidad, y lo compagina, en casa, con los encargos para los anuncios de prensa del Sr. Castanyé.

calabuch d

Pero, por fin, llega el despegue. En 1.952, es contratado por el famoso estudio que firma sus creaciones con las siglas MCP: Esquema. Es aquí, donde poco a poco, empieza a hacerse con la confianza del estudio, y comienza a ayudar en la realización de algunos carteles, aunque principalmente siga con la pluma.

bus stop
Macario ya es un hombre casado, y el papel de su mujer, va a ser definitivo para su despegue hacia sus sueños. Casualmente, una distribuidora que inicia sus actividades en esos momentos, se instala en el mismo edificio donde residen Mac y su esposa. La señora, conociendo muy bien cuáles eran los deseos de Macario, hace una visita a los nuevos vecinos, y ni corta ni perezosa, le comenta al responsable, después de ver los carteles promocionales que cuelgan en las paredes de las oficinas: Mi marido, esto, lo hace mucho mejor!!. Pocos días después, Macario recibe el encargo de elaborar todo el material publicitario de la temporada inaugural de la distribuidora. Este trabajo se convierte en su mejor tarjeta de presentación, y en 1.955 empieza a firmar sus obras con el ya conocido nombre de “MAC”. Desde este momento, esta firma ya no dejara de estar presente en todos los trabajos que realizará. A partir de entonces, y hasta hoy, el sector acabará rindiéndose a su maestría, con reconocimientos, premios tanto nacionales como internacionales, etc… todo y que en el tema económico, no se refleja tanto todo eso.

esta tierra es mia c

Su gran oportunidad le llega de la mano de Paramount, con la película “Los Diez Mandamientos”. Se le encarga hacer el cartel más grande de la campaña, de tres hojas, que muestra a Heston como Moisés con las tablas en la mano. El éxito del cartel es sencillamente descomunal. Tanto es así, que también se le encarga una docena de originales en pluma de diferentes contenidos y medidas. El mismo Charlton Heston mostró su admiración ante el magnífico despliegue creativo de toda la campaña, y se interesó en conocer personalmente a Mac. El encuentro se producirá durante el rodaje en Madrid de “El Cid”, donde Macario regaló, por iniciativa propia, un impresionante retrato originalmente hecho para esta ocasión, con Heston encarnando al Moisés del film que motivó este encuentro. Se sabe de buena tinta que el actor, lo mantuvo colgado siempre en su despacho. Y así, actores, actrices, directores, distribuidoras, etc… tanto nacionales como internacionales, se rifaban sus trabajos convencidos del honor que representaba que uno de sus carteles promocionara sus películas. En España, tanto Pepe Isbert como Sara montiel, estaban encantados de ser los protagonistas de sus obras. Y si no tenían que serlo, lo solicitaban expresamente. Sabían que nadie como Mac sabía sacar en un cartel lo mejor de si mismos. Y eso, para un actor, es muy importante.

los justicieros del oeste b

Incluso el mismísimo Kirk Douglas, se declaró un buen admirador de Mac, poseyendo en su colección particular de exclusivos carteles, el original de “LOS JUSTICIEROS DEL OESTE”. Kirk le mandó una carta, expresando su admiración, y agradeciendo la posibilidad de tener ese cartel, sin duda alguna, de los mejores no solo de Mac, sino de Douglas también. Stanley Kramer, Salvador Dalí (de quien llegó a ser amigo), Marlon Brando, los ya citados e incluso George Lucas fueron algunos de los muchos admiradores de Mac. El propio Lucas, después de ver el cartel español para “American Graffiti”(del cual también tiene el original), quedó tan impresionado, que pensó en Mac para que se encargara de los carteles promocionales para España, y posiblemente Europa, de su primera “Guerra de las galaxias”. Desgraciadamente, las prisas por estrenar la película, impidieron que llegara a materializarse el proyecto, todo y reconocer Lucas, que los esbozos que Mac había hecho le gustaban mucho más que los que acabaron utilizándose. En esas épocas sin internet, hacer llegar encargos de un sitio a otro no era tan rápido como ahora.

la leyenda de la mansion del infierno

Durante los años 60 y 70 Mac no paró ni un momento. Tanto estrenos como reposiciones, con nuevas versiones de carteles que ya había hecho en los estrenos años atrás (Toda la campaña publicitaria de la reposición de “Los diez Mandamientos” en 1.972, fueron encargados directamente a Mac para su lanzamiento Europeo). Era un artista independiente, y tomaba encargos de todas las distribuidoras americanas punteras de la época, aunque uno de sus rasgos más elogíantes, es que trataba con la misma seriedad y calidad, los carteles de las grandes majors, como los de películas más modestas y pequeñas. Su objetivo era mejorar cartel a cartel, y sobre todo, intentar no repetirse nunca. Y la prueba es que así lo hizo.

tiburon

En los 80, llegó el vídeo, y con él, una crisis de las salas de cine que hizo replantear el tema del cartel de cine hacia soluciones más fáciles y baratas de producir. Los cartelistas ya no estaban tan solicitados y se usaba la foto como objeto del cartel. Mac, acabó su carrera creando carátulas para vídeo, sobre todo para las distribuidoras VideoTechnics y Embassy, pero como era de esperar, aunque el formato era mas pequeño, su calidad y maestría siguieron en aumento, llegando a crear auténticas joyas para esos lanzamientos.

 

ENTREVISTA CON MAC:

VISITEN NUESTRO JAZZBAR:

En esta ocasión un clasico “TAKE FIVE” con  Dave Brubeck al piano y Paul Desmond al saxo

 

Break

AphroditesChild_2

Demis Roussos, cantante, bajista y frontman de los Aphrodite´s Childs

….

ARTEMIS VENTOURIS ROUSSOS (Demis Roussos)

(1946 -2015)

….

Bye bye, my friend, goodbye
With a lie
you forget and break it

You make it
You make it
You make it
You make it

Cry in my empty room
and we try
to forget and break it

Fly
high
and then
you make it [interlude]
Bye bye, my friend, goodbye
With a lie
you forget and break it

You make it
You make it
You make it
You make it

666-demis-christ

 

Notas y vínculos

1. Espanto y armonía http://www.viajesconmitia.com/2010/09/07/espanto-y-armonia/

Vecinos

(Antes dar inicio a la entrada  quiero anunciarles que a partir de hoy, y en las entradas venideras, podrán visitar en los descansos de su lectura-proyección nuestro JazzBar. Esta microsección, a la que he titulado “Visiten Nuestro JazzBar”, acompañará a todas las entradas  a modo de “postrecito musical” y su pretensión sólo es conseguir el solaz y  placer sonoro de nuestros/as visitantes).

 

 

En alguna ocasión he oído por ahí que la Tercera Guerra Mundial comenzará con un incidente  en una comunidad de vecinos. No sé si esto finalmente será así, pero en estos tiempos donde está tan de actualidad las disputas por las fronteras, los límites de las naciones y de los estados, y por seguir la estela de la entrada dedicada a Chomón, quiero llevar a la Tía hasta Canadá a que nos invite a té y pastas un británico afincado allí. Para convencerla le traigo el cortometraje de animación VECINOS (Neighbours, 1952) de Norman McLaren, conocido como el «poeta de la animación»: Dos vecinos conviven en armonía hasta que una flor crece en la línea divisoria entre sus propiedades. ¿A quién le pertenece? El argumento que sigue termina con ambos vecinos en sus tumbas.

Vecinos

La singularidad de McLaren radica en unir el cine experimental y de vanguardia con la tradición ilusionista de los espectáculos de animación cinematográfica. McLaren nació en Glasgow el año 1914 y, con solo 20 años, cuando todavía era estudiante en la Glasgow School of Fine Arts descubrió las filmaciones de los rusos Eisenstein y Pudovkin. Estas películas simbolizaron un cambio en su manera de concebir el cine; esta iba mucho más allá del mero entretenimiento, convirtiéndose en un gran medio expresivo. Su primera filmación, Hand-painted Abstraction, realizada sin cámara, sino pintando y dibujando directamente en la superficie del celuloide, hizo que John Grierson decidiese contratarlo para la British General Post Office Film Unit en Londres. Durante este periodo McLaren logró un sutil balance entre la libertad expresiva y la disciplina artística.

Fantasía en  Colores

El año 1936, en el inicio de la Guerra Civil, McLaren trabajó como cámara en España, experiencia que le marcará a lo largo de su vida. Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, McLaren se trasladó a Nueva York, ciudad que abandonó cuando Grierson le animó a unirse al National Film Board of Canada (NFB). En la NFB desarrolló su faceta de animador, nombre por el cual se le conocía, y creó un estudio de animación.

Boogie Doodle

McLaren experimentó con diversas técnicas cinematográficas y se interesó especialmente por la creación del sonido trabajando directamente sobre la película. Mientras la creatividad, el humor y la técnica son los rasgos distintivos de su obra, en su vida personal fue conocido por su clara voluntad pacifista que lo llevó a participar en proyectos audiovisuales educativos promovidos por la UNESCO; el año 1949, en China, donde introdujo a los estudiantes en las técnicas de animación, y en 1953 repetió el proyecto en la India. Precisamente, de su estancia en la China surgió Neighbours, una parábola en contra de la guerra que le hizo ganar un Óscar en 1952. Norman McLaren ha sido y continúa siendo un punto de referencia para el cine de animación y tangencialmente para muchos cineastas actuales, ya que fue capaz de establecer una relación íntima con el celuloide, como la existente entre el pintor y su lienzo.

Pas de Deux

 


VISITEN NUESTRO JAZZBAR:

Me he inspirado en el amigo de R. Daneel O. y os he traido un grupo de “negros sudorosos”. Es el trio del inmenso pianista Oscar Peterson, inmenso en lo físico y en lo musical, habitual en las bandas sonoras de McLaren. Eso sí, poner el volumen del aparato a un nivel que no moleste a los…..”Vecinos”:

 

Fuentes y enlaces

http://www.macba.cat/es/pequenyas-historias-del-cine-norman-mclaren-y-el-cine-de-animacion

http://www.escaner.cl/escaner16/comic.htm

CHOMÓN

Como he comprobado que la Tita tiene especial predilección por las  imagenes  fantásticas, que mejor para  empezar mis entradas dedicadas al celuloide que hacerlo de la mano de un pionero. Creo que no exagero si lo califico como el auténtico iniciador de la cinematografía en nuestro pais:  Segundo de Chomón.

Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

Fue, junto a los hermanos Lumière, George Méliès y Charles Pathé uno de los pioneros de la historia del cine. Impresionado por el descubrimiento del cinematógrafo, viajó a París en 1897 para poder estudiar el magnífico invento de cerca. A su vuelta a Barcelona fundó un estudio para la coloración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes. Chomón trabajó incansablemente en nuevos descubrimientos técnicos y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Sus colaboraciones en mitos del cine mudo como Cabiria de Pastrone o Napoleón de Gance le hicieron ganarse el apodo de «el Mèliés español».

Demos un repaso a lo más significativo de las aportaciones de Chomón al cine:

El paso de manivela: Según Fernández Cuenca,  Blackton realizó para la Vitagraph su película , en la que se veía a objetos inanimados desplazándose por sí solos. El filme tuvo mucho éxito en Estados Unidos y no tardó en llegar a Francia, en donde produjo sorpresa y entusiasmo. Los productores franceses, al ver la película The Haunted Hotel,  quedaron atónitos ante el prodigio, al que en seguida dieron el nombre de movimiento americano. León Gaumont movilizó a sus técnicos para que a toda costa descubriesen el sistema que permitía lograr tales juegos increíbles. Pathé, sin embargo, no tenía que preocuparse, pues era Segundo de Chomón el inventor de aquella maravilla. Lo que los americanos llamaban one turn, one picture y los italianos denominarían sin tardanza como giro ad uno, era el paso de manivela creado por Chomón».

El travelling:  Que aplicó por primera vez en La Vie et la Passion de N.S. Jésus-Christ. El historiador y crítico italiano Lino Lionello Ghirardini, en su Storia Generale del Cinema (Milán, 1959), dedica toda una página a la enumeración de los descubrimientos y hallazgos del ilustre turolense. «El gran mérito de Pastrone (Piero Fosco), fue parcialmente compartido -dice Ghirardini- por las invenciones del operador del film, el español Segundo de Chomón, maestro en efectos especiales, con las siguientes innovaciones: El travelling, que ensaya el 5 de agosto de 1912 (ignora Ghirardini que ya había sido utilizado por Chomón anteriormente), y sucesivamente perfecciona; la aplicación estética de la luz artificial, que en Cabiria sirve principalmente para «modelar» el rostro de los actores y crear determinado ambiente o ciertos efectos especiales, como el que procede de la iluminación desde la base de un decorado de dimensiones normales; el uso funcional de la panorámica; el ritmo continuo de las tomas cinematográficas y la fijeza de la imagen sobre la pantalla». Resulta grato que sea un italiano quien haga justicia a Chomón, cuando tantos intentos hubo de minusvalorar su trabajo o silenciar su colaboración.

La bicromía alterna: Desde 1923, asociado con el ingeniero suizo Ernest Zollinger, trabaja en un sistema de cine en color por bicromía alterna, que le supondrá la medalla de oro de la Exposición Internacional de Fotografía, Óptica y Cinematografía de Turín. En 1926 se incorpora a la Societé du Film en Couleurs Keller-Dorian de París para seguir investigando la posibilidad del cine en color, y a finales de los años veinte colabora en algunas producciones francesas, entre las que destacan La batalla (Edouard Emile Violet y Sessue Hayakawa, 1923), la gran superproducción Napoleón (1927) de Abel Gance o El negro que tenía el alma blanca (1926), del director español Benito Perojo, que será su último trabajo para la gran pantalla.

Efectos especiales: Fue el primero que realizó cine científico y el de reconstrucción histórica, inventó el género cómico de las persecuciones, utilizó con mucho éxito la unión entre imagen real y maquetas, las sobreimpresiones sobre fondos transparentes, construyó cámaras especializadas, desarrolló la técnica del dibujo animado, coloreó a mano, fotograma a fotograma, diseña unas plantillas de celuloide que facilitaban este trabajo y conseguían mayor precisión en la delimitación del color. Este sistema, con ligeros cambios, fue patentado más tarde por la casa Pathé con el nombre de «Pathécolor».

 

Y a continuación deleitémonos con algunas de sus creaciones:

 

THE RED SPECTRE (1907) :

THE FROG (1908):

THE KIRIKI ACROBATES JAPONAIS (1908):

EL HOTEL ELÉCTRICO (1908):

Fuentes y enlaces

Segundo de Chomón, el cine de la fantasía.

http://decine21.com/biografias/Segundo-de-Chomon-57506

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“... porque cuando Dios amanece, para todos amanece” , Sancho Panza
 
 

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